Sonora Aurora

Jazz meets India (1967)

2012-01-27T10:47:00.006-02:00

Álbum com um conceito bastante interessante reunindo um time de músicos da Índia e da música européia; gravado em duas sessões ainda no ano de 1967. O mais interessante é observar o equilíbrio e a síntese do que foram outrora dois mundos sonoros distantes geograficamente (a música tradicional hindu com a música improvisada européia ainda flertando com o free jazz).

Creio que para a época esse álbum foi um grande passo na demonstração de fusões outrora impensáveis e que agora são vistas nas obras de uma boa parcela dos mestres atuais da música.

A todos uma boa audição.

Musicians:

Bass – Uli Trepte

Cornet, Trumpet – Manfred Schoof

Drums – Mani Neumeier

Engineer – Rolf Donner

Piano – Irene Schweizer

Producer – Joachim Ernst Berendt

Sitar, Vocals – Dewan Motihar

Tabla – Keshay Sathe

Tambura – Kusum Thakur

Tenor Saxophone, Soprano Saxophone – Barney Wilen

Larry Ochs - The Secret Magritte (1996)

2012-01-26T19:48:00.004-02:00

Certa feita em um festival de jazz na Espanha, um fã puritano chamou a polícia para interromper o show do Larry Ochs, segundo ele "aquilo lá não era jazz de verdade". A polícia acabou convidando Larry a abandonar o palco. Isso por si só já diz muita coisa.

Aqui segue um link para uma curta mas excelente biografia dele.

1. Part I (23:09)

2. Part II (13:07)

3. Part III (20:22)

79 MB

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Rob Mazurek - Calma Gente

2012-01-23T22:57:00.005-02:00

"Sempre escuto umas coisas enquanto pinto, ou vejo formas quando toco"

Trompetista, pintor, artista multi-mídia, improvisador e membro atuante da frutífera cena de Chicago, participando de bandas como Exploding Star Orchestra, Starlicker, Isotope 217 e Chicago Underground, Rob Mazurek é sem dúvida um grande artista; em seus trabalhos solos sempre da ênfase a textura, colagens, sobreposições de sons e experimentações áudio-visuais.

Mazurek vive entre Chicago e São Paulo, nesta última, participa de sua cena underground tocando com os músicos do Hurtmold. Em 2010 lançou o seu primeiro trabalho solo em terras tupiniquins, o intitulado Calma Gente; e se existe álbuns que clamam por ambientação, este é um deles, se perderia muito em escutá-lo em outro horário que não fosse a noite. Desde o seu início já percebe-se algo intimista, solitário, lentamente e aos poucos parece que se é submergido em um oceano, tudo conscientemente. Desde a hipnótica The Passion of Yang Kwei-Fe, a dançante Oblíqua, ou a emotiva Flow My Tears and Last Forever, todas carregam essa atmosfera que parece ter a madrugada. Apesar de eu ter citado estas três músicas, não há um destaque isolado no álbum, todas sem excessão são de um grau de densidade fora do comum.

Aqui o link de uma resenha mais completa do álbum, e para quem quiser escuta-lo completo sem precisar baixá-lo, ou ainda ter uma prévia maior, basta acessar o meu profile no youtube, upei o álbum por lá ;)

Calma gente

1. Mula sem cabeça

2. Oblíqua

3. The passion of Yang Kwei-Fe

4. Three reasons not to blow up the world

5. Purple sunrise

6. Car chase

7. Flow my tears and last Forever

8. Barriga da Baleia

9. Flamingos dancing on the rings of saturn

100 MB mp3

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Motor Totemist Guild - City of Mirrors

2012-01-05T01:12:00.004-02:00

Sem tempo para resenhas, então vai aqui o álbum seco mesmo.

Banda de avantprog bem puxada pro sinfônico, excelente.

Aqui mais informações.

City of Mirrors

1. Tower of London

2. Scarfnet

3. Narcotic Lollipop

4. Prudes Vs. Libertines

5. Bixby Slough

6. Blood In the Tower

mp3 | 92 MB

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Fred Frith, Stevie Wishart & Carla Kihlstedt - The compass, log and lead

2011-12-10T16:39:00.000-02:00

Improvisação realizada em outubro de 2003 na cidade de Oakland, CA.
Masterizado e editado em maio de 2004, Oakland, CA.
Lançado pela INTAKT Records, 2006, Zurich, Suíça

Fred Frith - acoustic guitar, lowry organ, violin
Stevie Wishart - hurdy-gurdy, electronics, violin
Carla Kihlstedt - violin, nyckelharpa, cover art

The Compass, Log and Led

1. Time comes presto (03.14)
2. A beautiful thing to forget (04.50)
3. Look at sky go (03.39)
4. Dog-eared (02.04)
5. I am Buffalo Bill today (04.12)
6. Initially this (02.38)
7. Postcard from the back (03.55)
8. I am map (03.31)
9. Abstract expressionism (05.16)
10. Dream as a means (03.15)
11. Aller retour (04.13)
12. Time goes largo (02.45)

mp3 | 52 MB

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Demko Kurtov's Zurna Group - Zurna

2011-12-09T22:58:00.002-02:00

O zurna é uma espécie de apito feito com madeira de bambu (o som é muito parecido com o oboé) e está entre os instrumentos de sopro mais "coloridos" da Bulgária; no passado o intrumento fui utilizado por todo o país, mas agora sobrevive apenas no sudeste. Alguns artistas descendetes de artistas folclóricos ainda sustentam a tradição do instrumento nessa região, sendo o representante de maior destaque o Demko Kurtov's Zurna Group da vila de Kavrakirovo, que fica no município de Petrich. Tendo como fundador do grupo folclórico o senhor Kurta Demo Limanov, seus seguidores Ismail, Shein, Demko, Selim, Asen e outros, carregam a tradição da família e preservar o estilo característico de tocar do munícipio de Petrich. Além dele, o grupo ainda inclui seu filho Samir (Krassimir), seu irmão Lyuben Fetov, e seu sobrinho Ognyan Fetov. Incríveis e virtuosos intrumentisas, eles demonstram de forma convincente todas as possibilidades do instrumento zurna.

Saquem a loucura disso:

1. Rusalian Melodies
2. Boina
3. Ginka
4. Butcher's Horo
5. Gyuresh Avassi
6. Gaida Avassi
7. Ispaiche
8. Kavrak Horo
9. Eski Mangossar
10. At the Table
11. Quick Chifteteli
12. Macedonian Slow Horo
13. Djumaya Feast
14. Macedonian Bagpipe
15. Gankino Horo
16. Graovsko - Gerganav

mp3 | 63

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The Nels Cline Singers - Initiate (2010)

2011-11-30T07:25:00.003-02:00

Mais um projeto de Nels Cline, considerado por Henry Kaiser um dos maiores guitarristas americanos e um desbravador dos limites do jazz e do rock experimental. O baixista Devin Hoff e o baterista Scott Amendola - um parceiro constante - completam a formação (um pouco alterada na apresentação do vídeo abaixo).

"Tento fazer coisas que ressoem emocionalmente. Minha maior conexão com o som é que tenha certo tipo de sentimento. As vezes o virtuosismo é entediante demais." N.C.

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Parte 1 | Parte 2

Tin Hat Trio - The Sad Machinery of Spring (2007)

2011-11-19T14:39:00.001-02:00

Este álbum transpira emoção. O sexto trabalho do Tin Hat Trio (atulamente Tin Hat) lançado em 2007, é uma grande ode ao sentimento melancólico que nos toma o coração quando coisas belas acontecem e já não temos mais com quem as dividir. Cada música é um fim, cada detalhe foi cuidadosamente pensado; a sensibilidade rara que algumas bandas tem para compor e fazer transparecer sentimentos em forma de música, aqui é comum e preenche cada espaço das canções. Os sentimentos são persongens e atuam em uma peça de teatro cujo o enredo nos é conhecido, mesmo sem nunca o termos visto.

Old World

Dayse Bell

Membros:

- Ara Anderson: trumpet, baritone horn, piano, pump organ, toy piano, celeste
- Zeena Parkins: harp
- Mark Orton: guitar, dobro, banjo, piano, pump organ, autoharp, bass drum, bass harmonica, marxophone, cello
- Ben Goldberg: B-flat clarinet, alto clarinet, contra alto clarinet
- Carla Kihlstedt: violin, viola, trumpet violin, voice, piano, celeste, bowed vibes, bass harmonica, ukelin, bul-bul tarang

1 - Old World
2 - The Secret Fluid of Dusk
3 - Blind Paper Dragon
4- Dionysus
5 - Daisy Bell
6 - Drawing Lessons
7 - Book
8 - Dead Season
9 - Black Thursday
10 - Tailor's Dummies
11 - Dionysus, Pt. 2
12 - Land of Perpetual Sleep
13 - Janissary Band
14 -Comet
15 - Intractable

mp3 | 44 MB

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Ur Kaos - Ur Kaos (1987)

2011-11-11T15:08:00.003-02:00

RIO, Avantprog, Suécia

Members:

Johan Hedre'n

Lach'n Jonsson

Mats Paulsson

Ur Kaos 1987

1. Loved Missile
2. Let's Take a Talk
3. A Regrettable Fact
4. A Swendenborg Vision
5. Never
6. Dying
7. Bayamus?
8. Senselessing
9. Status Nascenti
10. Four Proverbs of Hell
11. Heroes of The yellow Cross
12. Freedom's Not a Korean Word
13. Back in Hell
14. Contraposition

mp3 82 MB

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Albert Huybrechts - Musique de Chambre I

2011-11-11T11:00:00.009-02:00

Albert Huybrecths é um compositor belga nascido em Dinant em 12 de fevereiro de 1899, e é citado pelos membros do Univers Zero como uma de suas princippais influências; e realmente, o Heresie me parece ter muito mais influência do Huybrechts do que propriamente do Bartók e do Stravinsky.

Embora seu pai fosse cellista de uma orquestra, pouco caso fez do talento que seu jovem filho tinha para compor. Por isso Albert foi forçado a estudar oboé, mesmo sem ter nenhum interessante mais específico pelo instrumento. Mais tarde, já com 16 anos, poderia ter entrado no Conservatório de Bruxelas mas a morte repentina de seu pai o impediu de se concentrar nos estudos, pois teve de conciliar os estudos com o trabalho de professor, consequentemente sua vida estava em situação de extrema pobreza.

Em 1925, sua sonata de violino foi finalmente reconhecida nos Estados Unidos e recebeu o Prêmio Coolidge. Além disso, o seu primeiro quarteto de cordas também foi premiado com o 1 º lugar no Ojay Valley Festival. Porém, sua despreocupação com a fama e sua natureza auto-crítica o afastou de um reconhecimento mais amplo por parte do público e dos próprios músicos.

Quando ele foi finalmente nomeado Professor de Harmonia do Conservatório de Bruxelas em 1937, ele só tinha mais um ano antes de sua morte. Em 22 de fevereiro de 1938, ele faleceu por causa de uremia em Woluwé-Saint-Pierre. Naquela época Huybrechts tinha apenas 38 anos.

Musique de Chambre I

1. String Quartet No. I
2. L'ombre est lustrale
3. O le calme jardin d'ete
4. Concertino for Cello and Piano
5. String Quartet No. II

mp3 | 256 kbps | 106 MB

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Wiliam Byrd - Second Service & Consort Anthems

2011-11-10T21:05:00.005-02:00

William Byrd foi um dos maiores compositores ingleses do Renascimento. Nasceu em Lincolnshire no leste da Inglaterra em 1543, tendo sido católico praticante em pleno reinado protestante da Rainha Elizabeth I; entretanto, sempre trabalhou para a Igreja Anglicana onde era respeitado por suas belíssimas composições.

Estudou com Thomas Tallis e mais tarde, tornou-se seu parceiro, inclusive com quem dividiu em 1572 a posição de “Gentleman of Her Majesties Chappell” como co-organista da Capela Real de Londres.

Em 1563 tornou-se organista da Catedral de Lincoln e em 1568 casou-se com Juliana Birley com quem teve sete filhos. Considerado o maior compositor contrapontista de sua época na Inglaterra, tocava órgão e virginal para o qual compôs mais de 140 peças.

No perído da perseguição aos católicos se mudou para Harlington, Middlesex. Mais tarde,em 1592, ficando viúvo, casa-se novamente e musa-se para Stondon Massey, Essex, onde virá a falecer em 04 de Julho de 1623.

Como dito a cima, Byrd era um católico que vivia em um país protestante, e isto de certa forma influenciou alguma de suas composições; em 'Why do I use my paper, ink and pen?' Byrd se pergunta qual o sentido de estar compondo sua música, mais precisamente: para quem?

Esta pergunta o fez compor uma música carregada de melancolia e dor, no caso, Why do I use my paper, ink and pen?

1. Arise, O Lord (Help us, O God)
2. O God, that guides the cheerful sun
3. Alack, when I look back
4. In nomine a5 (II)
5. Second Service (Magnificat)
6. Fantasia em Ré Menor (Órgão Solo)
7. Second Service (Nunc dimittis)
8. In nomine a5 (IV)
9. Blessed is he that fears the Lord
10. Thou God that guid'st
11. O Lord, make thy servant Elizabeth
12. Fantasia em Lá Menor (Órgão Solo)
13. Lord in thy wrath
14. In nomine a5 (V)
15. Have mercy upon me, O God
16. Why do I use my paper, ink & pen?
17. Prevent us, O Lord

mp3 | 192 kbps | 120 MB | Complete Booklet

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Eduardo Paniagua, 101 pérolas!!!!!

2011-11-06T10:55:00.003-02:00

É com satisfação (porém ainda parcial,pois ano que vem pretendo repostar essa coleção em outro servidor) que posto essa coleção,são 101 discos altamente indicados pra fãs de música antiga,musicólogos,jogadores de rpg e assim por diante.Desde o disco mais famoso com a música da Grécia Antiga(Com seu irmão "Greg" Paniagua e o Atrium Musicae Madrid) até um com músicas espanholas do século XIX,porém a maior parte(até onde baixei) está em torno dos séculos XI e XIV.

Boa audição

http://fileserve.com/list/CeKBSyc

http://www.filesonic.com/folder/13018921

http://avaxhome.ws/music/classical/Eduardo_Paniagua_CD_Collection_101_albums.html

Ken Vandermark - Mark In The Water (2011)

2011-11-05T06:59:00.009-02:00

Álbum solo do mestre. Creio que dispensa apresentações.

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01. Lead Bird (for Peter Brotzmann), bass clarinet02. Dekooning (portrait of Coleman Hawkins), tenor sax03. Steam Giraffe (portrait of Evan Parker), tenor sax04. Personal Tide (portrait of Anthony Braxton), bass clarinet05. White Lemon (for Jimmy Giuffre), Bb clarinet06. The Pride Of Time (for Fred McDowell), bass clarinet07. Burning Air (for John Carter), Bb clarinet08. Future Perfect (for Eric Dolphy), bass clarinet09. Soul In The Sound (for Steve Lacy), tenor sax10. Looking Back (for Joe McPhee), tenor sax

Dmitri Shostakovich - Symphony No. 5

2011-10-27T10:31:00.004-02:00

Talvez a mais russa das sinfonias. Épica, forte, exagerada, psicológica...retrata muito do gênio de Shostakovich e do que é o espírito russo.

Esta gravação foi feita das épicas execuções da Orquestra Filarmônica de Leningrado sobre a regência de Mravinsky. Acho que até hoje nenhuma orquestra conseguiu executar com maior maestria as sinfonias do Shostakovich, e isto porque a orquestra de Leningrado foi a que tocava com maior força e rapidez que se tem notícia (o que é extremamente necessário em alguns casos, como este do Shosta).

A qualidade também está muito boa, pode-se até perceber alguns espectadores tossindo.

O primeiro movimento já apresenta uma certa força e ritmo, com temas que receberão variações nos movimentos seguintes (II e III).

O segundo movimento abre já com uma dessas variações, tendo muita tensão na execução dos instrumentos de cordas. Coisa que com a orquestra de Leningrado tomou sua forma pura e original, a maioria impõe mais cadência e retira essa tensão, o que descaracteriza totalmente até mesmo o próprio Shostakovich.

O terceiro movimento possui talvez o que seja os 30 segundos mais exagerados da música clássica. Ele já começa totalmente sentimental (bem diferente do movimento anterior), com uma beleza e leveza que é meio difícil se ver no Shosta. E aos poucos (seguindo a calma com que inicia) culmina aos 7:40 em algo que me parece consguiu expressar em termos artísticos, literários e até mesmo psicológicos. o que é e o que foi o povo russo. Realmente incrível.

Bom, o último movimento só ouvindo mesmo pra acreditar.

Diz-se que foi tamanho o impacto no público quando ela foi executada pela primeira vez em 1937, que o mesmo ficou de pé aplaudindo por cerca de 40 minutos.

I. Moderato
II. Allegretto
III. Largo
IV. Allegro non Troppo

mp3 | 256 kbps | 76 MB

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Petros Tabouris Ensemble - Music of Greek Antiquity

2011-10-22T14:50:00.006-02:00

"Embora fartamente alimentada por influências orientais, a produção musical helênica galgou um patamar em que sua experiência tornou-se a pauta de uma linguagem inteiramente original e própria. A tal ponto que, assim como na literatura, no teatro, na filosofia e nas artes plásticas, a teoria musical da Hélade antiga veio a ser fundamental para a estruturação da arte musical do Ocidente."

Théodore Reinach

Uma grande seleções de músicas que recorrem a Grécia clássica, desde hinos dedicados a divindades como diferentes cantos de obras clássicas. Um total de 27 canções tocadas com os mesmos instrumentos clássicos de outrora, e contendo as mesmas vozes carregadas de misticismo.

Uma boa viagem a todos.

01. Lament (threnos) by Simonides

02. First Pythian Ode by Pindar

03. Sikkinis

04. Ithyphallic song

05. Entrance song of the Phallophoroi

06. Askaulos

07. Partheneion by Alkman

08. Epithalamium by Sappho

09. Instrumental fragment from Contrapollinopolis

10. Hymeneal by Sappho

11. Encomium by Ibykos

12. Double aulos

13. Song of the Sicilian Shepherds

14. Epitaph of Seikilos

15. Second Delphic Hymn to Apollo

16. Maktrismos

17. Hymn to the Muse by Mesomedes of Crete

18. «Agios oTheos»

19. Hymn to Nemesis by Mesomedes of Crete

20. Fragment from the comedy «Birds» by Aristophanes

21. Kolavrismos

22. First Delphic Hymn to Apollo

23. Hymn to the Sun by Mesomedes of Crete

24. Savarios

25. Fragment from the tragedy «Aias»

26. Stasimon from the tragedy «Orestes» by Euripides

27. Fragment from Iliad

mp3 l 56 MB

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Finniciu's Heavens!

2011-10-22T08:57:00.002-02:00

Devido ao tempo sem postar,quis trazer algo para "suprir" o tempo que passei em silêncio.
Apenas Jazz,em linhas gerais jazz contemporâneo mas não necessariamente nu-jazz nem m-base,quem sabe modern creative-free-catch 22 ou algo nessa direção.
Espero que apreciem todos tanto quanto eu,são músicas extremamente recomendadas pra quem curte desafiar os limites da própria compreensão musical.Minha intenção de maneira alguma é confundir música contemporânea com "oba-oba free pós-moderno",mas apenas mostrar idéias de liberdade que são livres dos (pré)conceitos do franciscanismo maçônico avant-garde.

Como complementação ao post:

http://alltimegreatesthits.posterous.com/tag/jazz

Adam's Lane Full Throttle Orchestra - Ashcan Ratings(2010)

Black Engine - Ku Kux Klowns(2007)

Carla Kihlstedt and Satoko Fujii(2007)

Don Byron - Ivey-Divey(2004)

Emile Parisien - Au Revoir Porc Epic(2006)

Exploding Star Orchestra - We Are All From Somewhere Else(2007)

Flat Earth Society - Psychoscout (2006)

Hyperactive Kid - Mit Dir Sind Wir 4 -(2010)

Indigo Trio - live in montreal(2007)

Lucky 7s-Pluto's Junkyard(2011)

Massacre - Lonely Heart (2007)

Matthew Shipp - Nu bop (2002)

Mephista-entomological reflections(2004)

Miniature (Berne, Baron & Roberts) - I can't put my finger on it (1991)

Phantom Orchard(2004)

Powerhouse Sound - Overlap(2010)

Spring Heel Jack - Amassed(2002)

The Stone - Issue Three(2008)

The Thing - Garage(2004)

Toshinori Kondo - Silent Melodies(2007)

Zu & Spaceways Inc - Radiale (2004)

Yamandu Costa - Mafuá

2011-10-17T18:38:00.005-02:00

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Um dos mais importantes violonistas brasileiros de todos os tempos, Yamandu Costa transita em sua música entre diversos estilos musicais como choro, bossa nova, milonga, tango, samba, baião e chamamé, trazendo também fortes influências de violinistas como Baden Powell e Raphael Rabello.

Virtuoso e compositor no violão de 7 cordas, Yamandu, atualmente com 37 anos, outrora abusava de virtuosismo na imensa maioria de suas interpretações, o que, aliado a uma abordagem por vezes vista como "suja" no violão, gerou críticas da parte de muitos músicos. Hoje, imensamente mais maduro, musical e consciente, consegue trazer todo seu potencial como instrumentista para o plano da composição ao violão, o que gera como resultado uma música extremamente rica, diversificada e com um domínio técnico impressionante (às vezes dando a impressão de coexistirem 2 ou 3 violões, quando em verdade só existe um).

No presente álbum - o primeiro solo de sua carreira - 10 das 13 composições são de sua autoria.

Boa audição a todos.

Yasuhiro Yoshigaki's Emergency!

2011-10-16T12:09:00.004-02:00

Loveman Plays Psychedelic Swing(2002)

Loveman Prays for Psychal Sing(2003)

Os carinhas são:

Yasuhiro Yoshigaki — drums
Otomo Yoshihide — guitar
Ryoichi Saito — guitar
Hiroaki Mizutani — bass

COMUNICADO AOS COLABORADORES

2011-10-15T10:53:00.004-03:00

Pessoal, decidimos criar uma conta comunitária (esta) em que todos os colaboradores poderão ter acesso para facilitar a concentração de álbuns que queremos re-upar. Com isso esperamos que os links fiquem visíveis por mais tempo, além de poder propiciar a retomada de muitos materiais que possivelmente não tenham(os) baixado.

No post podemos colocar um link para redirecionarmos para a descrição e postagem original caso seja necessário.

Caso você seja um colaborador ativo e ainda não tenha recebido login e senha, entre em contato nos comentários.

Um abraço

King Crimson - The ConstruKction of Light

2011-10-15T08:50:00.006-03:00

"Well, I wake up in this morning, in the cloud of despair"

Guardem a frase acima, é ela que dita toda a atmosfera do álbum. Como disse o amigo JV:
"- Demoníaco. É meio como se o Discipline estivesse batendo um papo com o Lark's. "

No início já se é surpreendido por ProzaKc Blues; a voz distorcida do Belew, a guitarra pesada do Fripp, a letra um tanto desesperadora...já passamos a saber de antemão o que nos aguarda.

Na sequencia, The ConstruKction of Light Pt. 1 e 2 continuam guardando um pouco do clima da música anterior, mas ganham notas mais agudas em contraste com notas mais graves (aliás isso é uma constante no álbum, e talvez daí que se origine o nome deste); já em Into the frying pan volta de uma forma mais asseverada este contraste entre notas agudas e graves já mencionado anteriormente, ganhando mais força ainda em FraKctured (ótima releitura de um dos grandes clássicos do KC); a partir daí acontece o que é pra mim o grande momento do álbum, a sequência de 4 músicas que começa com a alucinada The World's My Oyster Soup Kitchen Floor Wax Museum - LOL - e segue com Lark's Tongues in Aspic Pt. 4 (continuação 1 & 2) praticamente derreteram meu cérebro. O que o Fripp faz nessa sequência é um absurdo, parece que ele simplesmente está rasgando as notas, até agora não consegui entender direito o que acontece.

Coda: I have a dream e Heaven and Earth não poderiam terminar o álbum de melhor maneira, a primeira por seguir um pouco a linha pesada deste, e a segunda pelo seu clima épico, encerrando o álbum com a maestria que quem escuta a mais tempo o KC já conhece.

Enfim, um álbum viciante. Meu preferido depois do Red.

" you think you're fine, but then you're back in the frying pan"

released in 2000

Line-up / Musicians:
- Adrian Belew / guitar, vocals
- Robert Fripp / guitar
- Trey Gunn / bass touch guitar, baritone guitar
- Pat Mastelotto / drumming

Tracklist:
1. ProzaKc Blues
2 The ConstruKction of Light Pt. 1
3. The ConstruKction of Light Pt. 2
4. Into the Frying Pan
5. FraKctured
6. The World's My Oyster Soup Kitchen Floor Wax Museum
7. Larks' Tongues in Aspic, Pt. IV
8. Larks' Tongues in Aspic, Pt. IV Continued
9. Larks' Tongues in Aspic, Pt. IV Continued II
10. Coda: I Have a Dream
11. Heaven and Earth

115 MB | mp3 | 320 kbps

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Mats Gustafsson

2011-10-14T17:38:00.003-03:00

Mats Gustafsson talvez seja conhecido pelo seu lado mais nervoso e enérgico, por suas parcerias com músicos de noise, pela transgressão de estilos e fronteiras à frente do The Thing; mas muitas das suas buscas sonoras já o levaram à fronteira do silêncio e da contemplação.

Os dois álbuns postados aqui, ambos solos, tem o que eu considero alguns dos momentos mais belos já gravados com um saxofone - mas, e isso é importante, num estilo incomum, transitando por momentos de calmaria quase absoluta e por passagens mais nervosas e vibrantes.

Catapult (Baritone Sax Solo) 2005

1. Memory of a specific silence - to Paul Auster
2. Torparvisa/Angels
3. The light | vídeo |
4. Catapult of solitudes - to Paul Auster
5. The nut
6. It is. Remember - to Lars Gullin
7. Flutter
8. Chance illusions - to Paul Auster
9. Kungssången

Multiupload

Solos for Contrabass Saxophone (2003)

1. Kicki And Micke

2. Charlotte

3. Marit And Rune

Multiupload

Alfred Schnittke - Concerto Grosso No.1, for 2 Violins, Harpsichord, Prepared piano and 21 Strings

2011-10-09T22:01:00.004-03:00

Utilizar-me-ei agora de um dos maiores clichês existentes no mundo dos blogs:

"Não vou falar nada, deixarei que a obra fale por si mesma."

E de fato fala.

Em seis movimentos:

1. Preludio - 5:20
2. Toccata - 4:02
3. Recitativo - 7:14
4. Cadenza - 2:19
5. Rondo - 6:41
6. Postludio - 2:33

59 MB | mp3 | 320 kbps

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Univers Zero - Heresie (2010 Remix)

2011-10-08T20:47:00.023-03:00

"SOMBRIO, DENSO, MACABRO, COMPLEXO, NEGRO, OPRESSOR, PERTURBADOR. Todos esses adjetivos são poucos para descrever o que está contido aqui. Esse álbum é simplesmente uma das maiores obras do rock progressivo. INDISPENSÁVEL!"

O épico álbum do Univers Zero ganha sua merecida remasterização, e para quem ainda não conhece façamos algumas considerações.

Bom, o que dizer de uma banda cujas principais influências são Bartók, Stravinsky, Huybrechts, escritores de terror como Edgar Allan Poe, e serial killers como Doctor Petiot ou Jack O Estripador? Bom, o que é certo é que o Univers Zero não é passível de uma classificação clara.

O Heresie (o álbum mais conhecido da banda) foi lançado originalmente em 1979 contendo três faixas, La Faulx, Jack The Ripper e Vous le Saurez en Temps Voulu.

La Faulx ou "A Foice", fora inicialmente idealizada por Daniel Denis (baterista) e já estava no repertório da banda dois anos antes do lançamento do álbum em 79', mas sobre uma forma embrionária ainda, e a cada vez que ela era tocada surgiam novas idéias e estruturas para a música, contudo Daniel's considerava-a inacabada ainda para uma gravação em estúdio. Deni's decidiu então espandir a introdução conduzindo uma improvisação livre, e o resultado final o fez a pensar como "uma música para um filme inexistente", e esta idéia só ganhou mais força depois dele descobrir "O Sétimo Selo" do Bergman, Deni's notou várias semelhanças entre as duas obras: procissões de fanáticos religiosos, o jogo de xadrez entre um homem e a própra morte, o curso filosófico do filme, e principalmente atmosfera obscura e apocalíptica de tempos medievais, no caso do Sétimo Selo causada pela Peste Negra e em La Faulx podemos concluir que fosse causada pela Guerra Fria daqueles idos de 70's. Mas não só isso, assim como o Sétimo Selo nem todas as partes da música são obscuras e pessimistas, há uma sessão serena e otimista no final (a cena da última dança no filme). Foi Guy Sergers que sugeriu o mantra entoado no início da música : "- Não queríamos cantar em inglês, francês ou qualquer outra língua. Na época eu estava lendo livros sobre a linguagem angelical dos anjos e a história de Enoch, por isso decidimos introduzir na peça palavras sem sentido que corresponderia ao nosso estado de espírito no momento da execução".

Sobre Jack The Ripper, Denis diz que ele realmente nunca sentiu que o título da peça capturasse a atmosfera que ele realmente sentia: " - Eu acho que isso envolve emoções relacionadas com as sensações humanas mais intensas, e que não poderiam ser simplesmente associadas com uma personagem; o nome nasceu possivelemnte da nossa propensão ao humor negro". Aos poucos, nas sessões ao vivo foi incluido o que ficou conhecido como o "Solo Assassino", onde usando dissonância e atonalismo em um solo de violino é simulado um esquartejamento. Sim, um esquartejamento, se dúvidas então ouça.

A faixa final Vous le Saurez en Temps Voulu, ou "Quando chegar a hora certa, você saberá" é uma composição em parceria do lendário guitarrista da banda Roger Trigaux e do Denis, e o que pode se dizer dela é que não haveria melhor maneira de encerrar o álbum. Ao mesmo tempo que ela segue a linha obscura deste, também é elétrica e agitada, sendo ainda ao mesmo tempo elegante!

E por favor, que faixa bônus o quê, Chaos Hermetique é uma das melhores músicas do UZ!! Dêem depois suas impressões, mas imediatamente ao ouvi-la me lembrei daqueles filmes de ficção científica da década de 70, imperdível!

Bom, sem muito mais o que falar, só o que posso dizer é que este é o melhor álbum que eu já escutei na minha vida, ele pode tranquilamente mudar tudo o que você entende por música, a forma com que você se relaciona com a arte e por que não: com o MUNDO. Não deixem de ouvir =)

Tracklist:

1. La Faulx (25:03)
2. Jack the Ripper (13:20)
3. Vous Le Saurez En Temps Voulu (12:51)
4. Chaos Hermetique (bonus track) (11:52)

Line-up:

* Michel Berckmans – oboe, bassoon (1-3)
* Daniel Denis – drums, percussion
* Patrick Hanappier – violin, viola
* Vincent Motouille – keyboards (4)
* Guy Segers – bass, voice
* Roger Trigaux – guitar, piano, organ, harmonium

420 MB | FLAC | audiotracker + full scans

Parte I
Parte II
Parte III
Parte IV
Parte V

87 MB | mp3 192 kbps | full scans

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Alfred Schnittke - Faust Cantata & Concerto Grosso No. 2

2011-10-04T00:14:00.011-03:00

Seguindo as postagens do Schnittke.

O concerto grosso No. 2 eu ainda não dei toda a atenção a ele, mas o pouco que eu escutei achei fantástico, ainda que não de para comparar com o 1. Aqui, para quem quiser conferir:

A Faust Cantata é um absurdo, simplesmente não dá para imaginar que alguém compôs algo assim, o que nos faz reconhecer em Schnittke o seu talento em diferentes áreas de composição.
Em "Es geschah", um tango altamente histérico, é considerado por muitos uma das melhores árias de todos os tempos, o que é perfeitamente aceitável visto a força que ela possui. Esta versão do vídeo que postarei mais abaixo é da BBC, e não possui todos os elementos presentes nesta gravação do álbum, mas já dá uma bela noção da força obscura da mesma.

Estava vendo esses tempos um documentário sobre o Schnittke (The Unreal world of Alfred Schnittke) onde um crítico disse que talvez Schnittke tenha sido o único capaz de compor alguma música decentemente para o Fausto, e isso porque ele era "a ligação perfeita entre Deus e o Demônio" (perfeitamente demonstrado no vídeo abaixo); de fato, Schnittke era dotado de uma religiosidade monstruosa, até mesmo mística (talvez uma herança da igreja ortodoxa russa), mas mesmo possuindo toda essa religiosidade ele compôs temas extremamentes sombrios e sarcásticos, envoltos em muito humor negro. E ver esta entrevista do Schnittke, onde ele aparece com uma fala mansa, um olhar inocente e cansado, profundamente amoroso, mas parecendo estar totalmente perdido, bom, ver isso e escutar o que ele compôs, (como o Requiem aqui já postado) faz perceber que ele possui um espírito impressionante, forte e enigmático, talvez o mais enigmático do séc. XX.

1. Concerto Grosso No. 2, I. Andantin - Algegro
2. Concerto Grosso No. 2, II. Pesante
3. Concerto Grosso No. 2, III.Alegro
4. Concerto Grosso No. 2, IV. Andantino
5. Faust Cantata, I. Folget nun
6. Faust Cantata, II. Die vierundzwanzig
7. Faust Cantata, III. Gehen also miteinander
8. Faust Cantata, IV. Meine liebe
9. Faust Cantata, V. Ach, mein Herr Fauste
10. Faust Cantata, VI. Doktor Faustus klagte
11. Faust Cantata, VII. Es geschah
12. Faust Cantata, VIII. Diese gemeldete Magistri
13. Faust Cantata, IX. Also endet sich
14. Faust Cantata, X. Seid nüchtern und wache

mp3 | 192 Kbps | 94 MB

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Lean Left - Live At The Bimhuis (2009)

2011-10-03T21:25:00.000-03:00

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Lean Left é um encontro entre os guitarristas do The Ex com o saxofonista Ken Vandermark e o baterista Paal Nilssen-Love, mas diferentemente do projeto The Ex & Brass Unbound, "não se tratam de canções escancaradas em releituras de espaços free; a improvisação livre e a experiência puramente instrumental é a forma que molda o esquema", como escrito pelo Fabricio Vieira no FREE FORM, FREE JAZZ.

Este bootleg me pegou completamente de surpresa. Se não digo que é um dos seus melhores registros, é porque justamente a experiência de ouvi-los (sobretudo ao Ken Vandermark) me convenceu de que é inútil valorar e catalogar a "obra" de um músico hierarquicamente - aliás, me deixou em dúvida com relação à própria idéia de obra, como algo fechado, acabado.

Nels Cline - New Monastery (2006)

2011-09-30T09:12:00.002-03:00

Faixas:

1. McNeil Island / Pumpkin (6:20)
2. Not Sa No Sa (8:55)
3. No Doubt / 11/8 / Dance with Death (23:32)
4. Yokada Yokada / The Rumproller (4:48)
5. Dedication (8:03)
6. Reconciliation / New Monastery (10:30)
7. Compulsion (11:09)

Músicos:

Scott Amendola - Drums
Bobby Bradford - cornet
Nels Cline - Guitar
Ben Goldberg - Clarinet
Devin Hoff - Bass
Andrea Parkins - electric accordian, electronics

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Faxed Head - Chiropractic (2001)

2011-09-19T14:25:00.017-03:00

Track Listing
01. "Rest Stop Cleaning" (02:48)
02. "Demon's Chills" (02:19)
03. "Deathly Peace" (06:18)
04. "Four Freshman" (03:39)
05. "Farmer Ferdinand Hudson" (03:18)
06. "Mr. Bus Driver" (05:10)
07. "Chiropractic" (02:47)
08. "Bring the Dead Boy Peace" (03:04)
09. "Coalinga Love" (05:50)

Faxed Head é uma banda que ainda não entrou para a História mas já tem uma estória, mesmo que algumas partes ainda estejam um tanto quanto obscuras. Enfim. Tudo começou na pequena cidade de Coalinga, quando um dos integrantes da banda encontrou vários CDs de Death Metal caídos no asfalto; intrigado, recolheu-os antes que algum veículo passasse em cima, e levou o achado para mostrar ao seu pequeno círculo de amigos. Eis que os garotos começaram então a escutar e curtir esse som doentiamente, e – em meio ao vício em cheirar cola e alguns devenaneios sombrios – resolveram fazer um pacto de suicídio. Todos eles iriam se matar. E realmente cumpririam com o prometido; só que deu errado(!?), e eles sobreviveram; aleijados, seriamente deformados e com sequelas mentais, mas sobreviveram, todos eles. Alguns anos se passaram em diversas clínicas e cirurgias e hospitais especializados etc. , até eles poderem voltar às ruas: foi quando resolveram tentar montar uma banda na esperança de assim poder enterrar o passado. Os quatro integrantes são (ficaram conhecidos como): Neck Head (que, inacreditavelmente, não tem a cabeça [!!!] e tem o pescoço muito alongado) na guitarra; McPatrick Head (um dos mais deformado de todos: teve a pele inteiramente substituída por tecido xadrez e usa uma cadeira de rodas) no vocal; o baixista obcecado por matemática Graph Head e, originalmente, o baterista Washington DC Head. Entretanto, Graph Head deixou a banda e Washington morreu devido ao vício em batata frita, sendo substituídos por Jigsaw Puzzle Head (que tentou se matar e caiu com o rosto sobre o quebra cabeças que estava tentando montar, ficando com as peças coladas irreversivelmente) e LaBrea Tar Pit Head (outra vítima de suicídio sem sucesso, tendo ficado parcialmente coberto por piche) respectivamente, sem contar com a parceria com o mímico Fifth Head nos samples.

Ou pelo menos era mais ou menos isso que vinha escrito no encarte dos primeiros álbuns. Uma investigação da CIA acabou rastreando os verdadeiros membros da banda e desmentindo toda a história. Já se há um consenso de que Faxed Head seja na verdade:

Trey Spruance (as Neck Head) - guitarra
Gregg Turkington (as McPatrick Head) - vocal
Brandan Kearney (as Jigsaw Puzzle Head) - baixo
Phil Franklin (as LaBrea Tar Pits Head) - bateria
James Goode (as Fifth Head) - efeitos eletrônicos

Bem, humor de fundo de quintal à parte, esse álbum (que é o último, e geralmente tido como o melhor da banda) é algo que merece ser ouvido por todos aqueles que curtem avant-garde metal, death metal, humor e experimentalismos com ares Bungleanos. Não digo isso "só" por ser um projeto encabeçado por Trey Spruance (Guitarrista do Mr. Bungle); os amantes do Disco Volante certamente conseguirão enxergar algumas das influências bizarras ecoando numa passagem aqui e ali sem aviso prévio…

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Mombu - Mombu (2011)

2011-09-12T17:07:00.002-03:00

Confesso que esse álbum foi uma das maiores surpresas da minha vida e me deixou extasiado a ponto de quase não conseguir ficar parado em lugar algum enquanto o ouvia e mal saber como reagir a isso.

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(MP3 / 320 kbps)

Mombu é um duo formado pelo saxofonista Luca Mai (ZU) e pelo baterista Antonio Zitarelli (Neo).

O projeto nasceu da idéia de fazer um "jazzcore" de matriz ritualística e africana, explorando ritmos hipnóticos, ostinatos e uníssonos. O resultado foi um estilo batizado de "afro-grind". Durante quase uma hora, os dois italianos despejam uma série de TORRENTES sonoras interpoladas com momentos minimalistas de quase-silêncio, pontuados por blast-beats e quebrados pelo impacto de PESADAS ondas sonoras (ampliadas às vezes pela combinação de três saxes, a cargo do senhor Mai).

Confesso que nunca esperaria uma utilização tão CONSCIENTE da violência sonora. Mai e Zitarelli dão vazão à toda sua experiência musical e criam texturas que chegam a ser TRANSCENDENTES. Seja o que for aquilo que se propuseram, o resultado é até emocionante.

Iancu Dumitrescu

2011-09-07T10:23:00.006-03:00

Compositor romeno nascido em 1944 e casado com a compositora Ana-Maria Avram, Iancu Dumitrescu é dono de uma poética ímpar dentro da música contemporânea: a partir da potência (que pode ser colocada como "direção imanente") que carrega o som, o compositor busca parir suas obras a partir de esforços ao redor da filosofia de Edmund Husserl e sua fenomenologia. Começando por algum pequeno material sonoro e o restringindo ao máximo (no sentido de despojar-se de qualquer possível "resto" não essencial), o compositor, através de sua concentração e observação meditativa do som, começa a formar uma imagem que aos poucos se cristaliza. Somente depois dessa fase é que memória e imaginação começam a auxiliar numa construção estruturada a partir do que se deu.

Como a maioria dos compositores contemporâneos, Dumitrescu possui formação clássica e utiliza-se muitas vezes de meios tecnológicos, com o diferencial de colocar introversão, instrospecção e isolamento como necessários e primordiais ao compositor, antes da técnica e da tecnologia.

Em suas entrevistas, Dumitrescu também afirma a importância de "buscar e ouvir a si" através de vivências extra-musicais (rituais e sonhos, por exemplo) como parte importante em suas construções e ideais na música, além de uma incessante pesquisa sonora com instrumentos (que tipo de arco usar para produzir um resultado ou sonoridade X no violino, por exemplo).

Abaixo segue um link com 6 álbuns do compositor. Uma boa audição a todos.

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Lindsay Cooper - Angel On The Bridge (1991)

2011-09-06T01:40:00.004-03:00

A oboísta, fagotista e clarinetista Lindsay Cooper foi uma figura marcante na música das últimas décadas, seja integrando os grupos de avant-rock Henry Cow e News From Babel, seja como improvisadora.

Suas composições têm alguns toques singelos, sempre em tensão com a enormidade que é sua execução. Seu estilo é soberbo, potente, às vezes sutil, pungente, incisivo.

Sua música me dá a impressão de carregar ressonâncias do passado, sons e ritmos absorvidos por gerações inteiras de compositores. Andamentos ameaçadores e passagens sombrias interpolados com belíssimos ritmos folclóricos, com passagens meditativas e fraseados que tem algo das epopéias lamentosas e sofridas da música judaica.

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Toru Takemitsu: Chamber Music | Robert Aitken / Toronto New Music Ensemble

2011-09-06T01:08:00.008-03:00

Sobre Toru Takemitsu, haveria muito que se dizer. Mas prefiro convidar quem quiser fazê-lo a falar sobre suas próprias impressões e vivências relacionadas à música deste mestre.

Informações mais pontuais podem ser encontradas aqui e aqui.

Algumas palavras do próprio:

"Um som é, sem duvida, algo vivo. É como a natureza, que não tem individualidade. Assim como as transformações de vento e água são complexas, um som se faz rico ou inclusive pobre. Isso depende de como nossas sensibilidades aceitem o som. Nós os compositores não deveríamos assumir uma atitude arrogante frente ao som, porque escrevemos música em colaboração com os sons. O que importa é como podemos tornar realmente natural o ato artificial de escrever música."

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Alfred Schnittke - Symphony No. 0 & Nagasaki

2011-08-28T18:37:00.007-03:00

Obra escrita por Schnittke nos seus poucos 22 anos, a Sinfonia No. 0 demonstra a muita influência que Shostakovich teve em seu início de carreira, tendo passagens que possuem muitos elementos clássicos que vão se repetindo ao longo da obra.

O orátório Nagasaki, que serviu como peça de graduação para o jovem músico, possui um belíssimo tema inicial, seguido de um coral realmente poderoso. Nagasaki também é marcante por tratar de um tema de grande comoção para todos: o lançamento da bomba atômica. Schinittke se sai muito bem retratando os momentos de mau presentimento e desespero vividos pelo povo japonês. Talvez o final possa soar um pouco maçante para alguns, já que o fim repete-se um pouco, mas me parece indispensável isso, levando-se em consideração que não haveria outra forma de se lidar com este tema que não fosse um final cerimonioso como o deste oratório.

Para quem quer correr atrás dos trabalhos completos do Schnittke, estas duas obras são indispensáveis, e para aqueles que ainda não o conhecem, também acaba sendo uma boa alternativa, ainda que ela não demonstre toda a religiosidade e humor negro que suas obras posteriores terão como elementos contínuos.

Symphony No.0

1.	I. Allegro ma non troppo
2.	II. Allegro vivace
3.	III. Andante
4.	IV. Allegro

Nagasaki, Oratorio for mezzo soprano, mixed choir and orchestra

5.	I. Nagasaki, City of Grief
6.	II. The Morning
7.	III. On That Fateful Day
8.	IV. On the Ashes
9.	V. The Sun of Peace

107 MB | mp3

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Ivo Perelman - Sieiro(1999)

2011-08-23T16:42:00.002-03:00

Não consigo transliterar palavra alguma para descrever esse disco....

Sieiro

Franz Joseph Haydn

2011-08-21T13:56:00.013-03:00

Franz Joseph Haydn nasceu no ano de 1732 em Rohrau, um aldeia austríaca nas proximidades de Viena. Um amigo de sua família notou que Haydn tinha uma voz agradável e o ajudou a ingressar no internato da corte imperial em Viena no ano de 1740, onde os pequenos cantores eram preparados para participar do coral da corte imperial; contudo, quando veio a sua puberdade e sua voz mudou, Haydn foi forçado a abandonar o colégio, isso em 1749.

Os anos que se seguiram pode-se dizer que não foram tão agradáveis para o jovem músico, porém isso mudou em 1761 quando foi convidado a trabalhar na corte imperial do então príncipe Esterhazy no leste da Áustria, um grande entusiasta da música, onde foi quase que imediantamente imcumbido de comandar o movimento musical da corte, permanecendo lá por longos 30 anos.

Em 1781 Haydn conhece Mozart, tornando-se o seu grande amigo até a morte deste último em 1791. Haydn admitiu a superioridade de Mozart como compositor de óperas, e Mozart reconhece que aprendeu muito com Haydn sobre composição de música instrumental.

Após a morte de seu amigo, Haydn muda-se para a Inglaterra, permanecendo lá até 1794, onde compôs as suas 12 últimas sinfonias (de número 93 a 104), dentre as famosas Sinfonia de Londres e a Sinfonia Surpresa. Após esta pequena estadia em terras britânicas, Haydn volta para Viena onde passas seus últimos anos de vida, até vir a falecer no ano de 1809.

Haydn apesar de ter vindo de uma família humilde e piedosa, não teve grandes sofrimentos durante a sua vida, e deve ser por isso que todos os seus temas são alegres, aliás, possivelmente os mais alegres de toda a música clássica.

Franz Joseph Haydn foi um dos poucos compositores que conquistaram grande fama e prestígio ainda durante a vida, tendo ficado conhecido em toda a Europa, Haydn tem indiscutivelmente o posto de um dos maiores comopositores de todos os tempos.

Os trabalhos de Haydn que postarei aqui são sua Missa No. 11 em D menor e seu incrível Concerto para piano e Orquestra No. 11.

Sua Missa No. 11 (Nelson Mass), possui uma elevação de espírito impressionantel, e mesmo sendo ateu adimito quase me ajoelhar em adoração a ela.

E quem talvez vier a duvidar que Haydn compôs os temas mais alegres da música erudita, escute o Concerto para piano e Orquestra, principalmente o primeiro movimento ;)

Missa No. 11 in D minor "Missa In Angustiis", Lord Nelson Mass*

1. Kyrie
2. Gloria: Gloria in excelsis Deo
3. Gloria: Qui Tollis peccata mundi
4. Gloria: Quoniam solus sanctus sua
5. Credo: Credo em unum Deum
6. Credo: Et est incarnatus
7. Credo: Resurrexit Et
8. Sanctus
9. Benedictus Benedictus qui venit
10. Benedictus: Hosanna in excelsis
11. Agnus Dei: Agnus Dei, qui peccata Tollis mundi
12. Agnus Dei: Dona nobis pacem

mp3 l 51 MB

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*apesar da capa o link é apenas para a Missa No. 11

Concerto Para Piano e Orquestra No. 11 in D maior

I. Vivace (7:33)
II. Un poco Adagio (7:28)
III. Rondo all'Ungarese - Allegro assai (4:30)

mp3 | 26 MB

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Tomahawk - Ao Vivo em Glasgow, Escócia

2011-08-11T01:09:00.008-03:00

em 3 de novembro de 2002.

Post rapidão; apesar de ser só 75 MB, a qualidade do aúdio tá excelente! ^^

Pra quem não conhece o Tomahawk, nunca é demais postar esse que é o vídeo:

1. Jockstrap
2. 101 North
3. POP 1
4. Honeymoon
5. Mayday
6. In Every Dream Home a Heartache (Roxy Music)
7. Sir Yes Sir
8. Flashback
9. Birdsong
10. Laredo & Encore
11. God Hates a Coward

mp3 | 74 MB

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Art Bears - Live in Milan, R.I.O. Festival, May 1st, 1979

2011-07-28T06:48:00.003-03:00

Em 1978, durante as sessões de gravação do Western Culture (lançado no ano seguinte), Fred Frith e Chris Cutler compuseram para o Henry Cow um ciclo de canções de caráter experimental e teor político. Suas letras tratavam de temas pesados, chegando a passagens bem lúgubres. Em geral enfocavam o caráter destrutivo do capitalismo, a falta de liberdade e o horror de viver no mundo administrado.

Como alguns membros não gostaram das gravações, decidiu-se que o material instrumental faria parte do Western Culture, enquanto as canções seriam lançadas sob o nome Art Bears, no que veio a ser o álbum Hopes & Fears.

Com o fim do Henry Cow, Frith, Cutler e a vocalista Dagmar Krause transformaram o Art Bears em grupo permanente e participaram do segundo Rock In Opposition, em Milão. A apresentação registrada é uma das atuações mais intensas do Art Bears, que contou também com Peter Blegvad (Slapp Happy) e Marc Hollander (Aksak Maboul) .

1- Riddle 4:07
2- First Things First 2:31
3- Winter, War 2:47
4- Force 0:53
5- The Tube 2:37
6- Moeris Dancing 5:46
7- Piers 2:10
8- On Suicide 2:17
9- Maze 6:43
10- The Dividing Line 2:11
11- The Skeleton 3:00
12- Man And Boy 6:14
13- Three Wheels 3:48
14- The Dance 5:05
15- The Hermit 3:58
16- A Little Something 4:44
17- Alcohol 2:52

Vesnyanka - Z drevlyans'kogo dzherela

2011-07-26T20:46:00.005-03:00

do Palácio de Rivne

O grupo folklórico ucraniano Vesnyanka formou-se do então Palácio de Rivne (local onde era originalmente um instituto da Infância e da Juventude) fundado em 1983. O professor Viktor Kovalchuck, que então lecionava no instituto, notou que várias crianças que ali chegavam ainda falavam línguas que eram praticamente extintas, e isso se devia ao fato de aquela região da Ucrânia ser de difícil acesso. Kovalchuk, um apaixonado pela cultura, logo viu a importância de se preservar essas línguas e os seus costumes, transformando o então instituto em um laboratório artístico que estuda, descobre, preserva e populariza o património cultural, tradicional e étnico de Polissya (região de Rivne), espaço único e original que absorve uma história extremamente fascinante da cultura slava.

O grupo canta suas músicas respeitando a série de eventos e diversos feriados presentes no calendário de seus antepassados; este álbum apresenta 40 canções que são majoritariamente pagãs; estas canções tratam de chamar a primavera, pedir uma boa colheita, comemorar um feriado (ainda que cristão)...

Todo o repertório deste álbum foi reunido durante as expedições de pesquisa que se dirigiram para os lugares onde os costumes ainda permanecem vivos.

1 - Da selo, nashe selo
2 - Oj, hej, vesna, hej, krasna
3 - Vesna vesna vesnjanochko
4 - Vil butuje - vesnu chuje
5 - Postavlju ja svechu
6 - Oj strjelila strjela
7 - Jak poletiv Viktor
8 - Oj snih ta j metelycja
9 - Zbyrajtysa divky-molodyci
10 - Oj vijdu ja na rechen'ku
11 - Sjerye husy
12 - A kryvoho tancja
13 - Oj na hori cerkovka
14 - Oj ja v boru jahod brala
15 - Oj my buli j u vylykomu lisi
16 - A v kovalihi sobaki lihi
17 - Na Ivana na Kupajla
18 - Nashyji hlopcy lovcy-lovcy
19 - Petrovochka
20 - Svjatyj Petro
21 - A sosonka letom i zymoj
22 - Za novoju da svjetliceju
23 - Vyjshla Haljusja
24 - Dohadajsa Marijko
25 - Da vzhe mne prodil'
26 - Kotyloso jablochko
27 - My Marijku zav'jazali
28 - Nadobranoch, tovaryshechky
29 - Jshov bratko z sestroju
30 - Oj na horej suhyj dub
31 - Koljadyn-koljadyn
32 - Bihly ovechky
33 - Vashoho dvora ne mynajemo
34 - Oj tam na hori cerkvu budujut'
35 - Na dvore chorna hmara v'etsa
36 - J u konec stola sedyt' Mykolaj
37 - Schodryj vechor. Dobryj vechor
38 - Ja shadruju u djad'ka
39 - Schodryk na bedryk
40 - Schodryj vechor, dobryj vechor

mp3 | 48 MB

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Elton Dean & Sophia Domancich – Avant (2005)

2011-07-26T14:58:00.004-03:00

Track Listing
01. "Avant-Après" - (18:12)
02. "No Fuss" - (02:10)
03. "No Bother" - (27:59)
04. "Les Portes-En-Ré" - (08:43)

Músicos:
-Elton Dean (Sax)
-Sophia Domancich (Piano)

Download (82.11 MB)

Alfred Schnittke - Requiem & Music For The Movies

2011-07-26T00:10:00.004-03:00

Alfred Schnittke (Engels, Rússia, 24 de Novembro de 1934 — Hamburgo, 3 de Agosto de 1998), foi um compositor clássico poli-estilista, focando principalmente no estilo de música erudita criada na segunda metade do séc. XX, a chamada Música Espectral, que se caracteriza por trabalhar com a decomposição e o espectro dos sons.

Suas músicas não são alegres, mas isso não quer dizer que não são sejam bem humoradas, Schnittke era dotado de um intenso sarcasmo e um profundo humor negro. O seu Requiem com certeza é disparado o mais sombrio que já foi feito. Destaque para 'Tuba Mirum' e o 'Credo'. Infelizmente me falta a informação se ele o compõs sobre encomenda para alguém , se foi algum pedido da Igreja ou se foi por vontade própria.

Resaltando que esta gravação do Réquiem é uma rara apresentação do Swedish Radio Choir, referência mundial para trabalhos de coro; e ainda sobre a regência do compatriota de Arvo Pärt, e profundo conhecedor da religiosidade da igreja ortodoxa russa por assim dizer, Tõnu Kaljust.

Schnittke também compôs várias trilhas sonoras paras os filmes soviéticos, extremamente marcantes aliás. Em "My Past And Thoughts" a emocionante 'Madonen' torna-se inesquecível para quem assistir. Já em "The Master And Margarita" eu diria que o destaque todo fica para a "brincadeira" feita com o Bolero de Ravel, digamos que Schnittke nos apresenta com o seu bom humor o quão macabro pode soar até mesmo uma das obras com a melodia mais bela da música clássica; e certamente que Ravel não ficaria brabo com essa 'homenagem' do Schnittke, já que o próprio Ravel começou a detestar o seu Bolero após o sucesso desmedido que este fez ocultando o resto da sua obra.

Para apresentar essa série de trabalhos do Schnittke para o cinema, vou postar aqui um compilado que saiu recentemente reunindo as suas composições mais conhecidas. Quem puder correr atrás dos filmes certamente seria enriquecedor.

1. Requiem Aeternam
2. Kyrie
3. Dies Irae
4. Tuba Mirum
5. Rex Tremendae
6. Recordare
7. Lacrimosa
8. Domine Jesu Christe
9. Hostias
10. Sanctus
11. Benedictus
12. Agnus Dei
13. Credo
14. Requiem Aeternam

92 MB | mp3

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1. My Past And Thoughts: Petersburg [2:03]
2. My Past And Thoughts: Madonnen [1:40]
3. My Past And Thoughts: Schatten [0:59]
4. My Past And Thoughts: Menuett [1:01]
5. My Past And Thoughts: Das Ende der Revolution [1:51]
6. My Past And Thoughts: Trauriges Thema [1:01]
7. My Past And Thoughts: Wind [1:44]
8. My Past And Thoughts: Cancan [1:46]
9. My Past And Thoughts: Finale [1:58]
10. Agony: Einleitung [4:34]
11. Agony: Walzer [5:12]
12. Agony: Tango [6:13]
13. Agony: Finale [4:46]
14. The End Of St. Petersburg: I [2:46]
15. The End Of St. Petersburg: II [1:01]
16. The End Of St. Petersburg: III [2:58]
17. The End Of St. Petersburg: IV [4:03]
18. The End Of St. Petersburg: V [1:16]
19. The Master And Margarita: Meister und Margarita I [1:46]
20. The Master And Margarita: Voland [2:25]
21. The Master And Margarita: Foxtrott [1:04]
22. The Master And Margarita: Tango [0:58]
23. The Master And Margarita: March funebre [1:11]
24. The Master And Margarita: Bolero [3:53]
25. The Master And Margarita: Meister und Margarita II [1:49]

mp3 l 56 MB

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Béla Bartók - Cantata Profana

2011-07-25T22:54:00.008-03:00

Há muito poucas apresentações e gravações desta maravilhosa obra de Bartók, e isto pela complexidade e grande número de artistas que ela exige para ser executada.

Como o próprio título sugere, A 'Cantata Profana' não se trata de uma obra de inspiração religiosa, visto que Bártok não era um homem de convicções religiosas, mas de profundo idealismo humanista.

Bartók a compôs logo após a lista criada pelos nazistas para classificar os compositores que faziam música "degenerada"; Bartók não entrou nessa lista inicialmente, e depois de ter visto nomes de amigos seus e outros grandes compositores serem tachados dessa forma, Bartók sentiu-se imensamente encolerizado, compondo então esta peça para que sua obra também fosse classificada como "degenerada". E é evidente notar-se isso pelos primeiros três minutos extremamente opressores que a obra possui, fazendo clara referência a opressão política.

A história vem de um conto cristão natalino tradicional da Romênia, que mas tarde após seus estudos, Bartók descobrira ser profundamente influenciado pela religião pagã. O texto é uma tradução própria de Bartók do romeno para o húngaro.

Neste conto, um pai ensina seus 9 filhos a arte da caça; após estes ensinamentos, um dia os nove filhos saem então para caçar, e após cruzarem uma ponte mal assombrada, os 9 transformam-se em cervos. O pai, que não vê seus filhos retornarem da caça, sai em busca deles, e após encontrar os cervos e reconhecer os arcos em suas costas, implora para que retornam para casa, mas os cervos (seus filhos), alegando que seus chifres não passariam pela porta, dizem que a sua nova vida agora é a floresta e a convivência com a natureza pura.

Pessoalmente falando, minha obra preferida do Bartók. Apreciem.

I. Molto Moderato (8:18)

II. Andante (8:03)

II. Moderato (3:24)

25 MB | mp3

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Carreg Lafar

2011-07-18T01:31:00.005-03:00

a verdadeira música celta

O Carreg Lafar é um grupo de música folklórica que foi formado em Cardiff , a capital do País de Gales em 1994. É um daqueles casos bastante felizes em que a tradição se veste da imaginação de seus executantes, assim como de influências contemporâneas, sem perder o norte dado pela tradição. Diferente de outros músicos do gênero que se perdem ao adequamento de gravadoras e público, o Carreg Lafar possui esta qualidade de permanecer verdadeiro em relação aos seus costumes, então no caso quem ouvir não será "traído" pela música, pois não correrá o risco de escutar algo que seja falso.

Outro fator interessante para destacarmos a respeito do Carreg Lafar é o uso da gaita galesa, o pibau, que é uma invenção moderna, construída tendo como modelo o próprio pibgorn (a cantadeira da gaita-de-fole galesa é curvada como o pibgorn) e ainda a gaita-de-fole bretã. De qualquer forma fica a dica para quiem gosta, ouça a faixa Lisa Lan: no final temos um belo solo de pibau, a gaita galesa.

O CD Hyn do Carreg Lafar, que está para baixar logo abaixo, é uma oportunidade também para quem quer ouvir a sonoridade da língua galesa, que, de fato, é bem bonita. Soa um pouco gutural, como soa o irlandês, mas com certo ar latino e certa suavidade.

Hyn

1 - Yr Hen Ferchetan
2 - Os daw fy Nghariad
3 - Blewyn Glas
4 - Lisa Lân
5 - Cariad Cywi
6 - Afon Yr Ha
7 - Mari Lwyd
8 - Llef Harlech
9 - Aberhonddu
10 - Dau Rosyn Coch

mp3 | 39 MB

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Toshio Hosokawa

2011-07-17T15:43:00.003-03:00

Toshio Hosokawa - Solo Concertos, Vol. I

1. Landscape III (17:04)

2. Flute Concerto "Per Sonare" (18:55)

3. Ans Meer (14:33)

mp3 | 68 MB

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Toshio Hosokawa é um compositor japonês moderno de música clássica; frequentemente classificado também como avant-garde, Hosokawa desenvolve seu trabalho em cima da diversidade musical da cultura asiática, principalmente baseando-se na estrutura do Gagaku, a música da corte japonesa.

Sua influência do budismo no que diz respeito sobre o equilíbrio entre a vida e a morte - no caso entre o som e o silêncio - também faz com que sua música seja bem particular, ele mesmo explica: "The tone comes from silence, it lives, it returns to silence." E isto é extremamente evidente em toda obra dele ( se assemelhando ao Scelsi em certo sentido); diferente da maioria dos outros compositores sua música não possui um climáxis, e sim mais parece o mar, onde as ondes vem...e vão, o barulho da primeira onda permanece no ar até quando vier a segunda, e assim vai...

Hosokawa nasceu em Hiroshima em 1955, e mudou-se para Berlim em 1976, onde estudou e desenvolveu seu trabalho com Isang Yun, outro grande nome da música moderna asiática. Aliás, se eu quisesse seguir uma linha cronológica eu deveria primeiramente postar o Yun, mas como estou muito apaixonado pelo trabalho do Hosokawa...

Segue a citação dele em uma entrevista que creio resumir bem o que ele pensa sobre música:

"I am searching for a new form of Japanese spiritual culture and music, one through which I can remain true to myself as well as to my origins. We need to examine the Western world again, more carefully, in order to become objective about and truly get to know our own selves".

Perdão pela resenha um pouca extensa ^^'

Quetango

2011-07-16T20:46:00.007-03:00

Quetango - Postango (2006)

1. Distancia

2. Erreur

3. Etouffoir

4. Impro

5. La Trigo

6. Milonga Transitória

7. Oxydo

8. Riposte

9. Tango em Mi

mp3 l 6o MB

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Quetango é um grupo instrumental argentino com influências de tango, música argentina, jazz, fusion, progressivo e música de câmara. Sempre procurando por novos sons, o Quetango consegue muito bem inovar sem esquecer as suas tradições.

Logo quando eu comecei a ouvir este álbum me vieram várias lembranças (muito boas por sinal) de músicas nativistas que ouvia das rádios AM uruguaias e argentinas durante a minha infância; mas o que me surpreendeu mesmo, foi a evolução do álbum que aos poucos vais ganhando novos elementos, chegando até mesmo ao RIO do Univers Zero (só escutar as músicas 'Oxyde' e 'Riposte' para comprovar). As primeiras canções são mais calmas e melodiosas, é a partir da 4ª e 5ª canção que o álbum "vira", mais precisamente com a incrível 'Milonga Transitória' chegando então à 'Oxydo' e 'Riposte' com as devidas influências já mencionadas.

O grupo consiste do Cellista Daniel Finzi, o violonista Jonathan Hains, do baixista Frédéric Vermette, e do percussionista Simon Bourdreault.Por enquanto a banda lançou este único álbum intitulado Postango (sugestivo não?) em 2006, de lá para cá a banda segue se apresentado e fazendo concertos pelo mundo todo, e promete um novo álbum ainda para este inverno de 2011, mas por enquanto...

para mais informações: http://quetango.net/

Rued Langgaard - Music of the Spheres (1918)

2011-07-16T17:26:00.003-03:00

| Inger Dam-Jensen sopranoDanish National Vocal EnsembleDanish National Concert ChoirDanish National Symphony OrchestraThomas Dausgaard conductor |2010

79.61 MB | 320k

Rued Langgaard foi um compositor dinamarquês, dono de uma obra vasta e relativamente pouco conhecida que inclui sinfonias, concertos e óperas.

A Música das Esferas é uma obra marcante, de grande complexidade e de aparência visionária.

O compositor declarou que nela havia abandonado tudo o que se entende por temas, consistência, forma e continuidade; que era uma obra velada na negra e impenetrável bruma da morte.

A obra passou décadas ignorada e foi "redescoberta" no pós-segunda guerra, quando Gyorgy Ligeti, conta-se, teria declarado que acabava de descobrir que era um epígono de Langgaard.

Só para dar uma idéia, esta gravação foi feita com as obras Night, Morning e Lux aeterna , de Ligeti e a Symphony No. 5, de Sibelius.

Para quem quiser conferir, o áudio completo desta mesma execução está no youtube:

Kamalesh Maitra

2011-07-09T06:52:00.002-03:00

Tabla Tarang. Melody on Drums

170.11 MB

Pandit Kamalesh Maitra é um compositor e percussionista indiano, residente na Alemanha desde 1977. É considerado o último mestre da tabla tarang, instrumento do norte da India. A tabla tarang é um conjunto de 10 a 16 tablas afinadas de acordo com a escala raga e dispostas em semi-circulo (como se vê na capa do álbum) em ordem de tom crescente.

Ragatala Ensemble

142.45 MB

Este álbum com o Ragatala Ensemble, naturalmente, explora uma gama maior de instrumentos, incluindo flautas, cellos, violinos e outros instrumentos de percussão. Particularmente, é um dos meus preferidos.

Ennio Morricone - I malamondo (1964) + La Tarantola Dal Ventre Nero (1971)

2011-07-09T04:48:00.002-03:00

251.51 MB

Ennio Morricone é um mestre, consagrado e reverenciado pelos mais diversos tipos de ouvintes, desde os membros do Metallica a figuras como John Zorn. Este, na minha modesta opinião, é um dos seus melhores trabalhos, uma trilha de uma riqueza musical insólita e sem o apelo nostálgico usual - já que vêm de um filme menos conhecido

No lançamento do projeto Mondo Cane, cujo nome foi tirado do filme-fundador do gênero "mondo" (documentários de temática falsa e sensacionalista em sua maioria) Mike Patton declarou que I malamondo (1964) está no seu top 10 de trilhas sonoras do gênero.

"Obviamente, o lendário Morricone é conhecido e amado por muitos. Para mim, deve ser uma de suas melhores soundtracks. É uma viagem numa montanha russa através de muitos estilos e estados de ânimo. Sem lugar a dúvidas é uma grande influência em meu trabalho. Uma obra valente sem concessões de um mestre."

Mike Patton

Mr. Bungle - Disco Volante (1995)

2011-07-09T04:18:00.003-03:00

O Disco Volante é um dos meus álbuns preferidos, algo que mudou definitivamente meu modo de ouvir música e até de me relacionar com outras pessoas. Portanto, peço desculpas antecipadamente se essa pseudo-resenha for passional demais.

Creio que o Mr. Bungle é mais conhecido pelo álbum homônimo e pelo California. O Disco Volante carrega a fama, nem sempre atraente, de ser um álbum difícil. Na minha opinião, é uma obra única e com o selo da genialidade.

Inúmeras tendências se encontram aqui - desde o jazz à film music, do tango à vanguarda erudita de Darmstad, experimentos psicodélicos do passado, músicas do sudeste asiático, underground nova-yorquino... E no entanto, é algo profundamente original. Inúmeros caminhos, também, se bifurcam a partir dele.

Trevor Dunn conta que na época de sua gravação os primeiros sinais de afastamento já eram visíveis, embora a amizade dos membros da banda se mantivesse. Mike Patton passava mais tempo com o Faith No More, Trevor tocava jazz em restaurantes, Bar-McKinnon dirigia um caminhão e por aí vai... Quando se reuniam para ensaiar, simplesmente não sabiam o que fazer. Acabavam virando a madrugada improvisando sobre peças experimentais e fazendo um jogo que chamavam de "três notas": cada músico tocava uma seqüencia de 3 notas e não paravam até que todos atingissem a mesma nota final. Então iam para casa.

Segundo o baixista, até então era a primeira vez que se deparavam com a realidade de que tinham um álbum para conceber. Haviam decidido, por consenso, que seria algo raro e conceitual. Dunn incluiu sessões diretamente inspiradas em Tim Berne e uma canção de rock composta sobre série dodecafônica; Mike Patton inspirou-se no pioneiro Joe Meek para escrever um instrumental de dez minutos cujo tema é um homem se afogando - "The Bends"; Trey Spruance trouxe elementos dos místicos sufitas, triturados pelo humor da banda; e Trevor Dunn conta ainda como encontrou um bandoneonista argentino, que estava em turnê com um grupo de tango e não entendia uma palavra de inglês, para gravar o bandoneon enigmático que aparece em "Violenza Domestica" - uma das músicas mais assombrosas da banda.

________________________________________________________

Agradeço aos meus brothers André Carvalho, Felipe e J.V. pelas contribuições e por terem me lembrado de postar essa obra-prima aqui.

Egberto Gismonti - (discografia)

2011-07-01T16:53:00.005-03:00

Download - Discografia

Como ando um tanto distante da escrita a respeito de música, deixo um texto de Sidney Molina a respeito de Egberto Gismonti e os agradecimentos a Bruno Rodrigues por subir a discografia desse que é um dos maiores músicos brasileiros.

Em 1967, Egberto Gismonti, então com 20 anos, abriu mão de uma bolsa de estudos em Viena para se dedicar à música popular; um ano depois, apresentaria sua composição "O Sonho" no III Festival Internacional da Canção da TV Globo, com arranjo para orquestra de cem músicos. Foi uma opção pelas origens, pelo jeito popular de fazer música aprendido com tio e avô, ambos mestre de banda na cidade fluminense de Carmo. Sobre a formação erudita - sem precedentes no contexto da música popular brasileira -, basta mencionar que estudou piano com Jacques Klein e composição em Paris com Jean Barraqué e Nadia Boulanger.

À formação acrescentemos duas transformações: o encontro com Sapaim no Xingu e o encontro com o produtor Manfred Eicher em Munique. Se o contato com os índios permitiu a Gismonti encontrar definitivamente sua própria voz, a gravadora ECM tem possibilitado, há mais de duas décadas, o desenvolvimento pleno dessa voz através de projetos impecáveis de LP's e CD's.

Cabe reformular a crítica predominante até os anos 80, que preteria seu conceito particular de Brasil em nome de um vago "experimentalismo": o caráter experimental está longe de ser o que há de mais importante na música de Gismonti. Ela é herdeira de uma certa matriz instrumental da MPB, que tem como pilares o virtuosismo de Pixinguinha, o piano de [Ernesto] Nazareth e o violão de Baden Powell. A estes, devem-se adicionar Villa-Lobos e um Stravinski traduzido para o sertão nordestino.

Podemos agrupar sua produção em duas categorias: a complexidade das "músicas de sobrevivência", peças de caráter urbano, densas e polirrítmicas, e a simplicidade de canções instrumentais - herdeiras de A Lenda do Caboclo, de Villa-Lobos -, baseadas na música dos interiores do Brasil. São exemplos do primeiro grupo "Forró", "Forrobodó" e "Karatê"; do segundo, "Água e vinho", "Palhaço" e "Um Anjo". Lembremos também que sua atuação não se esgota nas interpretações ao piano, teclados, violões e flautas indígenas: há que considerar - cada vez mais - as orquestrações, a escrita de câmara e as trilhas de cinema.

Gismonti tem seu lugar estabelecido ao lado dos mais fortes artistas da música popular brasileira. Isso não é pouco: significa que alguns fragmentos melódicos, harmônicos e rítmicos do que é o Brasil foram revelados, e passam para sempre, por sua música.

[texto de] Sidney Molina

John Butcher - Resonant Spaces (2008)

2011-06-05T01:08:00.003-03:00

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Pig Soul - Chorume da Alma (2011)

2011-06-01T18:50:00.006-03:00

1.	Intro (11)3142212X	4:19
2.	Chorume da Alma	5:05
3.	Koentro	3:07
4.	Rãño	3:54
5.	Romanza	4:01
6.	L'Amour	2:21
7.	Wa a Api Vini	1:18
8.	Cocktail	1:26
9.	Epílogo	2:15
10.	Taking Waves	5:03

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O Pig Soul é um grupo de Rock in Opposition da cidade de São Paulo. Começou suas atividades em 2009, justamente pela suíte Chorume da Alma, que resultou no primeiro EP do grupo, lançado há poucas semanas. Como bom Rock in Opposition, o grupo estraçalha diversos estilos com passagens experimentais, deturpando jazz, salsa, rock e metal, com uma abordagem totalmente espírito de porco e cheia de improvisos. Com um show imperdível, o Pig Soul vem se apresentando por São Paulo, Campinas e São Carlos. Caso saiba de algum show deles, não perca.

Pig Soul é:
Daniel "Brita" - guitarra e trombone
Gustavo Boni - baixo
Rafael Montorfano - piano e synth
Luis André "Gigante" - bateria

Dumbo Gets Mad - You Make You Feel EP

2011-05-16T17:55:00.002-03:00

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Dumbo Gets Mad emerged in the summer of 2010 in Northern Italy and has now migrated to Los Angeles. His initial aim was to lay down some marvelous music in an organic manner, open to whatever direction the tunes took during the recording session. The first published track was Plumy Tale, which received positive reviews from a number of music blogs. Dumbo then decided to work on a debut album with an express goal and spirit in mind: “No matter what it sounded like, it had to be psychedelic!”

Aashish Khan & Zakir Hussain - Golden Strings of the Sarode

2011-05-12T10:47:00.000-03:00

Imaginem o encontro de dois dos maiores músicos da música clássica da Índia, que por sua vez é uma das músicas mais fascinantes e complexas do mundo.

Neste álbum , Aashish Khan (sarode) e Zakir Hussain (tabla) não exploram os limites de seu virtuosismo, mas nem por isso deixam de transitar com sua conhecida maestria. O resultado é um trabalho que foi indicado ao grammy como melhor álbum de world music de 2006.

Golden Strings of the Sarode

Parte I

Parte II

John Butcher/ Derek Bailey/ Rhodri Davies - Vortices & Angels (2000)

2011-05-01T15:46:00.006-03:00

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Da semente de uma orquestra de improvisação livre no Brasil

2011-04-30T14:39:00.012-03:00

Quem acompanha as notícias de improvisação livre e arredores no Brasil sabe que os últimos anos estão sendo os mais agitados no sentido de trazer grandes músicos do cenário internacional para se apresentarem por aqui. Nos últimos anos Cecil Taylor, Joe Morris, John Edwards, Ken Vandermark, Matthew Shipp, Ornette Coleman, Peter Brötzmann, William Parker, entre outros, foram bem recebidos e deixaram suas marcas por aqui.

Além disso, projetando a improvisação do Brasil para o exterior, temos nomes como o projeto Abaetetuba (atualmente com Antonio Panda Gianfratti, Michelle Agnes e Thomas Rohrer), Ivo Perelman, Marcio Mattos, Rodrigo Montoya e Yedo Gibson.

Com esse movimento e o crescente uso dos jovens da internet - que possibilitou o acesso à informação outrora quase impossível de tomar contato no Brasil -, hoje um movimento de improvisação livre começa a tomar forma em São Paulo e arredores.

Antenado com tudo isso, Juliano Gentile, que trabalha na curadoria e música do CCSP (Centro Cultural São Paulo), está através do espaço oferecendo oficinas com improvisadores e regentes de diversas partes do mundo, a começar pelas oficinas ocorridas no "Primeiro Festival Internacional Abaetetuba de Improvisação Livre" que aconteceram no ano passado e contaram com concertos dos integrantes do projeto Abaetetuba já mencionados, e com oficinas e concertos de John Edwards, Raymond MacDonald, Ricardo Tejero e Saadet Türköz.

Neste ano, Chefa Alonso - multi-instrumentista, regente e teórica -, deu início às oficinas e concertos, que ocorreram há poucos dias no CCSP. O projeto pretende formar a médio prazo uma orquestra de improvisadores em São Paulo baseada no aprendizado e vivência de tais oficinas.

Dando continuidade, no final de Maio teremos a presença do quarteto de cordas Stellari, que ministrará três dias de oficinas e fará duas apresentações - uma do quarteto e uma com a orquestra. Aos interessados, as inscrições estarão abertas a partir de 03 de Maio no site do CCSP.

Por fim, tive a felicidade de me incluir entre os alunos no ano passado e neste ano com os improvisadores nas oficinas e no concerto com regência da Chefa Alonso. Segue um pequeno trecho da apresentação que ocorreu há poucos dias.

Sonny Sharrock - Guitar (1986)

2011-03-03T17:14:00.005-03:00

Sonny Sharrock considerava-se um saxofonista frustrado, pois sua asma não permitia que tocasse o instrumento, mas é inegavelmente um dos maiores mestres da guitarra em todos os tempos.

Seu estilo era marcado por uma mescla de selvageria e lirismo, que trazem a tona um caos de sentimentos agudos, delicados, terríveis...

Talvez poucos músicos tenham imprimido sua própria personalidade de um modo tão marcante na música. Como ele mesmo disse:

«I want the sweetness and the brutality, and I want to go to the very end of each of those feelings... I have been trying to find a way for the terror and the beauty to live together in one song. I know that it is possible.»

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Or:

Sharebee (Pass: sln2008)

Free Bop (2003)

2011-01-23T13:40:00.003-02:00

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Nunca basta revisitar os mestres, há sempre algo novo a aprender e apreender, não importando o número de vezes que formos ter com eles.

Em poucas décadas o jazz passou por inúmeras transformações, sendo encabeçado por mestres que jamais se contentaram em estagnar ou reproduzir fórmulas, homens esses que fizeram de suas vidas parte importante da renovação da música de seu tempo; dentre os mestres do jazz figuram homens como John Coltrane, Eric Dolphy, Ornette Coleman, Cecil Taylor e Thelonious Monk, vidas essas que, com seus ideais, imensas batalhas, estudos, sonhos e imaginação, nos deixaram um importante legado a ser cultivado.

Se a música "clássica" demorou séculos para permitir uma maior liberdade do intérprete - que hoje, com suas escolhas e responsabilidade, pode em alguns momentos ser tão influente quanto o compositor na composição de uma obra -, o jazz americano conseguiu em poucas décadas operar uma ininterrupta expansão a ponto de hoje, em seus cumes mais extremos, poder colocar-se sem distinção entre compositores e improvisadores.

No presente álbum ouvimos uma vigorosa união de músicos brasileiros revisitando os mestres citados no post. Longe de um retrato comum e vazio que meramente apresenta um tema e o desenvolve num número fixo de compassos, temos a oportunidade de ouvir uma união de músicos que penetraram no mundo dos mestres e tomaram para si a missão e a coragem de revisitar seu legado numa transição de forças que, como o nome do álbum nos diz, poderia ser chamada de free-bop.

Músicas:

1 - Giant Coltrane

2 - Misteric Dolphy

3 - Skies of Ornette

4 - Profreessor Taylor

5 - Round MidMonk

Músicos:

Alexandre Teixeira - bateria

Bidinho - trompete

Don Camilo - guitarra

Flavio Goulart - piano e contrabaixo

Kim Ribeiro - flauta transversal

Lulu Pereira - trombone

AMM - Sounding Music (2010)

2011-01-23T11:47:00.008-02:00

Décadas atrás, na mesma época em que John Russel e companhia apostavam na improvisação livre em instrumentos acústicos no nascente cenário inglês, os integrantes do AMM começavam a explorar um possível diálogo de música acústica com eletroacústica.

Com algumas mudanças visíveis em seu som ao longo dos anos e alguns diversos integrantes que contribuíram por algum tempo no grupo, o AMM é talvez a união de forças mais antiga na música improvisada que prossegue explorando sem cessar mundos possíveis entre o som e o silêncio.

No presente álbum visualizamos claramente uma comunhão absoluta entre os músicos, que alcançam uma música despida de qualquer ego. Tal obra demonstra claramente que para algumas mentes não existem mais espaços para cisões no campo da música, mas uma convergência que promete desvelar estados antes inimagináveis, com uma fluência e coerência outrora somente vista na composição musical escrita.

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John Butcher: tenor & soprano saxophones

Ute Kanngiesser: cello

Eddie Prevost: percussion

John Tilbury: piano

Christian Wolff: piano, bass guitar, melodica

Obs.: link retirado do blog freethemusic-olatunji

M.I.M.E.O + John Tilbury - The Hands of Caravaggio (2002)

2011-01-23T11:23:00.005-02:00

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Neste início de século XXI penetramos num terreno em que a música improvisada acústica passou mais comumente a fundir-se à música eletroacústica como podemos conferir em diversos outros projetos.

Neste álbum a orquestra eletrônica dialoga constantamente com os pianos. Não sem motivo temos o envolvimento direto de Keith Rowe e John Tilbury, pioneiros na exploração eletroacústica na improvisação livre décadas atrás.

Músicos:

Keith Rowe: guitar, electronics

Kevin Drumm: guitar, analogue synth

Phil Durrant: software granuler samplers & treatments

Thomas Lehn: analogue synthetizer

Kaffe Matthews: computer

Jérôme Noetinger: electroacoustic devices

Gert-Jan Prins: electronics, FM modulations, radio

Peter Rehberg: computer

Marcus Schmickler: digital synthetiser, computer

Rafael Toral: guitar with analogue modular system

Markus Wettstein: amplified metal garbage

Cor Fuhler: inside piano

John Tilbury: piano

Obs.: link retirado do blog freethemusic-olatunji

Sonore - live

2011-01-22T11:46:00.004-02:00

Falar de sopro nas searas vitais neste início de século é passar de modo imprescindível pelos nomes de Peter Brötzmann, Ken Vandermark e Mats Gustafsson.

Imaginem agora um projeto envolvendo os três músicos, dispostos a explorar a música improvisada durante quase uma hora. Eis um pouco do concerto que vos aguarda no vídeo a seguir.

Evan Parker e Sten Sandell-Psalm(2010)

2011-01-03T10:26:00.002-02:00

Evan Parker-Sax
Sten Sandell-Órgão de tubos

Psalm

BBC's 1997 The Artist Formerly Known As Captain Beefheart narrated by John Peel

2010-12-19T16:10:00.003-02:00

Após ser surpreendido com a notícia repentina da morte de um dos meus artistas favoritos, venho aqui prestar minha homenagem compartilhando o documentário de 1997 da BBC. Não tive tempo de assistir ainda, estou só repassando os links que existem na internet. Mais tarde tentarei fazer upload para um host de arquivos, por enquanto, fica o torrent e o youtube.  PS:Sem legenda, só em inglês.

1 hour documentary on Captain Beefheart, presented by John Peel.  BBC 2 * THE ARTIST FORMERLY KNOWN AS CAPTAIN BEEFHEART  england 1994 bbc 2 television documentary 19.08.97 repeated without film 'some yo yo stuff' 29.08.99

DOWNLOAD (TORRENT)

Livio Tragtenberg & Wilson Sukorski - São Paulo, a Symphonia da Metrópole

2010-12-15T16:21:00.003-02:00

O filme : São Paulo, A Symphonia da Metrópole (SPASM) = espasmo. Um espasmo de futurismo, contemporâneo de seu tempo, um espasmo pós-semana modernista e pré “crack”de 29.
O som das promessas cumpridas e depois frustadas, uma metrópole gigante de boca gigante. Os sons e as vozes da São Paulo do Progresso, do Excesso e da Miséria. A Demolição Sonora é uma compulsão de sons, ruídos e vozes colidindo com as imagens delirantes de uma São Paulo que iria se construir. Os olhos arregalados de uma metrópole que se desconhecia. Os ouvidos saturados por um ruído incessante que perfura nossas existências, silenciosas. Esse é o trajeto de nossa Demolição : fazer soar por todos os meios e instrumentos o canto engasgado do coral anônimo da indiferença.
Cidade de celulóide. Cidade jam-calhambeque. Cidade de altos martinellis. Cidade zepelin. Cidade presidiária. Cidade caleidoscópica. Cidade cena de film. Um tratamento sonoro que não diferencia, se alimenta do próprio excesso. Perdulário, digere as naturezas várias.
Instrumentos mecânicos, motores, sirenes, martelo, água, areia, pedra, madeira, metais, tubos, saxofones, guitarras, theremin, teclados, computadores : uma orquestra de Brancaleone urbana. Parceiros numa mesma história, sonora urbana.
UMA DEMOLIÇÃO SONORA DE LIVIO TRAGTENBERG & WILSON SUKORSKI - 1997.
Livio Tragtenberg : saxofones, teclado, computador e coisas sonoras.
Wilson Sukorski : theremin, teclados, computador, peixe, gran corda, motores e coisas sonoras.
Lucila Tragtenberg : canto
vozes : Fausto Chermont, Francisco César Filho, Lucila Tragtenberg, Malú Bierrenbach e Mika Winiaver.
voz de criança : Jan Pagenotto Sukorski
operação de áudio : Maurício Bonito
massa sonora gravada no estúdio CEM – Centro Experimental de Música do SESC Consolação em Janeiro de 1997, São Paulo.
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Vandermark, Mark Sanders, Luc Ex - Encontro inédito em terras brasileiras

2010-12-09T13:31:00.006-02:00

Amanhã teremos nos palcos brasileiros a ilustre presença de Ken Vandermark junto da sonora companhia de Mark Sanders e Luc Ex, trio este que toca pela primeira vez juntos. Àqueles que acompanham o Sonora e conhecem um pouco do trabalho dessas mentes, gostaria de indicar duas entrevistas com Ken Vandermark, a primeira, já postada aqui, por Rubens Akira (Sonórica, Farofa Moderna), a segunda, junto com outros posts essenciais, feita há pouco pelo Fabricio Vieira (Free Form Free Jazz).

Entrevista - Ken Vandermark - por Rubens Akira

Entrevista - Ken Vandermark - por Fabricio Vieira

Lembrando que a primeira apresentação ocorrerá em São Paulo amanhã, às 19 horas, na sala Adoniran Barbosa, no CCSP. A entrada é franca.

A segunda apresentação do trio, em Porto Alegre, ocorrerá no dia 12 de dezembro, às 18 horas, no Santander Cultural. A entrada será de 10 reais.

Amplified Gesture - Documentário sobre improvisação livre

2010-11-27T14:45:00.006-02:00

Encontrei este documentário no http://aulaelectroacustica.blogspot.com/ e fui conferir. Posso dizer que é imprescindível a todos os amantes da improvisação (livre), sendo desenvolvido a partir de temáticas lançadas aos músicos e pensadores participantes que refletem e falam sobre a improvisação em sua prática e filosofia, passando por temas como imaginação, percepção, música pop, jazz, comunhão entre os músicos, desenvolvimento dessa atitude/filosofia musical, etc...

Deixarei os links nos comentários pra não ocupar muito espaço aqui.

De acordo com as palavras do blog:

"David Sylvian ha producido un documental sobre el género de la improvisación libre, que viene incluído en la versión de lujo del nuevo disco y que ha titulado "Amplified Gesture".

Dirigido y editado por: Phil Hopkins. Con: Otomo Yoshihide, Nakamura Toshimaru, Christian Fennesz, Keith Rowe, Eddie Prévost, Sachiko M., Evan Parker, John Tilbury, Werner Moser Dafeldecker, Michael y John Butcher".

*na foto a London Improvisers Orchestra, a meu ver um dos projetos mais vitais e interessantes da improvisação livre na atualidade.

Do universo de silêncio a ser redescoberto

2010-11-25T23:58:00.018-02:00

De acordo com Murray Shafer em suas pesquisas mundiais sobre a "paisagem sonora", todos os anos o nível de intensidade sonora cresce a níveis alarmantes para nossa saúde.

A tecnologia e o consumo crescente, ao invés de trabalharem na direção de tornarem o mundo menos poluído, parecem rumar sem o mínimo de senso crítico e visão de futuro.

Na música, infelizmente, não é diferente. Quando olhamos para o século XX e este início de século XXI nos deparamos com um mundo e uma música cada vez mais ruidosa e muitas vezes totalmente desprovida de necessidade e auto-crítica.

Com a descoberta da gravação e da reprodução aliada à ascensão das mídias de massa (com seus ídolos fabricados, suas propagandas ininterruptas, e sua busca por enriquecimento e poder a todo custo (mesmo que para isso destrua a mente de gerações e povos inteiros)), o que era pra ser uma descoberta fabulosa da parte dos cientistas se tornou uma arma de manipulação e gestação de poluição e alienação em proporções antes inimagináveis.

Com isso, hoje ouvimos a grande música ocidental que se desenvolveu outrora por séculos (a música tonal) sendo deturpada, plastificada e vomitada na imensa parte das vezes para suprir demandas em torno de funções extra-musicais (criar um fundo sonoro que não permita um pensamento reflexivo - espécie de narcose e obsessão auditiva -, impedir o silêncio numa roda de pessoas, dar sustentação a ambientes onde se procuram parceiros e ou drogas, impelir pessoas a dançar ou se exercitar trespassadas por uma batida intensa e ininterrupta, tudo isso sem contar o enriquecimento nas custas da ignorância alheia por parte dos empresários, produtores e "músicos" (?) de modo geral).

Deixando as mídias de lado, que muitos já devem ter consciência das entrelinhas, as auto-denominadas vanguardas e a dita música experimental muitas vezes trilham um caminho parecido. Discordo em boa parte daqueles que vêem na necessidade do estudo formal a única possibilidade de renovação da música (libertação dos sons, das formas; em suma: das impressões, meios e expressões), mas discordo completamente daqueles que dizem fazer música a partir de um vale-tudismo sem o mínimo de auto-crítica e senso de onde e como estão se inserindo na música de nossa época e na história de modo geral. Aqui caímos no terreno incerto do delineamento, importância e embate entre música absoluta (a música pela música) e música descritiva (a que tenta descrever algo e gerar estados de espírito (levando em conta que os meios e a denominação são discutíveis)). Hoje já se tornou clichê na música de cunho especulativo e auto-denominada experimental haver "ruído por ruído" e "caos por caos" (em termos estruturais), clichês que, a meu ver, já perderam muito de sua força e necessidade em vista das décadas em que tal música é feita e da crescente intensidade sonora e geração de novos timbres em todo o mundo (seja ou não em se tratando de música).

Voltando ao geral, alguns pontos interessantes a serem levantados são, por exemplo:

1) Novamente de acordo com Murray Shafer nas "culturas primitivas" ao redor do globo se encontram 69% de sons naturais, 26% de sons humanos e 5% de sons tecnológicos; nos locais urbanizados atualmente se encontra curiosamente uma estatística que quase é exatamente oposta em relação à tecnologia no lugar dos sons naturais. A porcentagem é 6% de sons naturais, 26% de sons humanos e 68% de sons tecnológicos.

É óbvio que todo este mundo de sons reflete-se diretamente em nossa subjetividade e percepção (de si e do mundo).

2) A perda auditiva é inevitável e irreversível no ser humano; nascemos com um número fixo de células receptivas e as perdermos ao longo dos anos. Com essa taxa enorme de intensidade sonora a perda é maximizada e se mostra muito mais precocemente do que nas antigas gerações.

3) Como poderão perceber nos dois links que seguem, não há necessidade de criar uma música extremamente densa ou intensa (em termos de texturas e volume) para transmitir uma impressão forte e profunda. Se levarmos em conta os levantamentos de Shafer e o próprio voltar a si de nossos pensamentos em reclusão (tentando silenciar nossa mente), observaremos que há uma necessidade urgente de reaver momentos de quietude, instrospecção e afastamento desse mundo repleto de poluição e informação de todos os gêneros, além de rever nossos hábitos e modos de percepção que há muito quase sempre tornaram-se desprovidos de senso crítico.

No meio dessa loucura toda, felizmente das tradições à música especulativa existem mentes sinceras e conscientes de sua inserção na música humana e do atual estado e necessidades urgentes da humanidade. Gostaria de fechar este pequeno post (que, espero, levante possíveis reflexões e debates) com duas mentes na contramão do crescente ruído e coisificação da música humana. O primeiro link é uma música do compositor Arvo Pärt e o segundo é o link para o álbum The Sound of Zen de Atsuya Okuda, mestre na shakuhachi (um tipo de flauta de bambu muito utilizado na música tradicional japonesa e em determinadas práticas meditativas).

Arvo Pärt - Für Alina

Okuda Atsuya - The sound of Zen

O motivo das escolhas vocês compreenderão melhor ao penetrarem fundo nesses mundos de som e silêncio. Reclusão e busca por um ambiente calmo são altamente indicados.

A todos uma audição consciente.

Krautrock - the rebirth of germany

2010-11-17T04:21:00.011-02:00

Resolvi fazer o upload do documentário, especialmente pro akaaka, hihihi. (Saudade, viadinho)

Apesar do vídeo ter uma ideologia um pouco discutível depois da crítica do século 20 a visão macropolítica economicista - ele defende a idéia, pode-se observar já no início, de que a arte é efeito da superestrutura Nacional... Como se o krautrock fosse simples efeito da condição alemã - e existem muitos outros fatores, outros fatores mesmo micropolíticos ligados a macroestrutura, intersubjetividades que escapam das fronteiras opressivas do estado, ora, isso é respondido pelos próprios artístas - em contraponto a esta narração da BBC - lembrando sun ra, Space is the place, e este espaço não é o de uma nova conquista dialética, é o espaço da criação híbrida, da negociação para além das fronteiras fechadas da nação e do império ocidental, e certamente 1968 tem muito a influenciar o krautrock, mas não pelo simples fato de seu acontecimento, mas por este questionamento - marcado por esta data - sobre as relações de poder. Também tem pouca relevância, pro documentário, a existência anterior da música progressiva e das vanguardas musicais, ou seja, essa ruptura na tradição que faz uma experimentação híbrida, esta sincronia na diacronia tão importante para a força intersubjetiva da expressão artística (Stockhausen e Cage são meramente citados, mas o documentário prefere se aprofundar em Bowie do que nestes... Bowie vende mais - e a figura do Iggy Pop fundamentando a validade do krautrock é risível) Também não é salientado os agenciamentos dos músicos, que soam diferentes entre si e entre suas obras, - toda a questão de tradição e talento individual, em suma, é deixada de lado por uma homogeneização nacionalista do movimenton- hierarquizar o kraftwerk acima do movimento do krautrock - desculpem, mas jamais poderei aceitar que kraftwerk seja MELHOR do que Can ou Neu!, como o documentário parece declarar, diferente, talvez, inovador, certamente, mas não melhor, e esta ação fica claramente compreendida quando, no final, sabemos que passara um documentário só sobre o kraftwerk, ou seja, o vídeo do krautrock soa como mera introdução ao vídeo do kraftwerk - até porque kraftwerk vende, rs. - e ser pouco aprofundado, não levando a discussão muito além - imagino que também pelo pouco tempo que dispõe pro "krautrock"- não deixa de ser interessante para quem gosta do som. A BBC sempre dá essas bolas dentro-fora, se é que vocês me entendem... mas, tirando esses três pontos, gostei muito do documentário, poder ver, de alguma forma, essa busca que nem é busca por um tempo que nem foi tão perdido assim - tirando pro Suzuki, haha.
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DOWNLOAD LEGENDA

ps. eu achei a legenda e inclui, mas está em inglês... eu definitivamente não traduzirei, se alguém se dispor... está aí.

Cos - Viva Boma (1976)

2010-11-15T05:41:00.008-02:00

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Tenho andado muito incerto sobre o que postar aqui. Não sei em que medida é válido simplesmente postar sons de qualidade - e o que isso significa? -, já que há tantos blogs por aí que cumprem essa função. Mas como as obras mais desafiadoras e mais significativas para mim já foram postadas pelos camaradas do blog, vou me contentar com algo mais humilde.

Cos é um dos meus grupos favoritos nesse país de tantos e tão bons grupos que é a Bélgica. Viva Boma é o seu segundo álbum de estúdio, e na minha opinião um dos dois melhores. É difícil, e quase supérfluo, falar sobre o estilo; o Cos freqüentemente é referido simplesmente como a versão belga do ZAO. Na verdade, cada álbum apresenta um estilo diferente, com algumas invariantes, que podem dar uma vaga idéia de como é a sua música.

Tanto na composição quanto no uso dos instrumentos, há uma influência imensa de grupos freqüentemente "ensacados" na definição genérica de Canterbury Scene (desde Hatefield and The North a Gilgamesh); mas há afinidades interessantíssimas com o zeuhl e o jazz, e sobretudo a voz inconfundível de Pascale Son, que usa sílabas sem sentido sugerindo algo semelhante a uma linguagem falada.

É um álbum para ser ouvido do início ao fim, sem pressa e sem medo. No final ainda há surpresas recompensadoras, como Mon Rebis; música que começa sem os toques psicodélicos e surrealistas, apenas com os arpeggios de Daniel Schell acompanhados pela voz de Pascale Son, até a entrada dos demais instrumentos, quando a música se torna sinuosa e coleante pelo efeito do sax de Marc Hollander (futuro Aksak Maboul).

Present - Discografia*

2010-11-10T03:53:00.014-02:00

Present, na minha opinião, é um dos melhores grupos de rock progressivo da história - lamentavelmente preterido em favor de outros mais preocupados em fazer arranjos de Mussorgsky, letras inspiradas em Tolkien, composições aborrecidas e uma "psicodelia" água com açúcar.

A princípio, era un projeto de dois membros do Univers Zero - Daniel Denis e Roger Trigaux, que por fim deixou o Univers Zero para dedicar-se ao Present exclusivamente.

Inicialmente era um quarteto - guitarra, baixo, bateria e piano/sintetizador -; posteriormente, foram incorporados instrumentos de corda e de sopro e, apesar de manter suas particularidades, aproximou-se bastante do R.I.O. majestoso e sombrio do Univers Zero.

Acho que nenhum nome genérico caracteriza bem esse grupo, a não ser o de Chamber Rock (criado, se não me engano, por Valdir Montanari)

PS:
1 - Está faltando o álbum "Live!"
2 - Esse post é um plágio/homenagem ao Henrique Melissopoulos, hehe.
3 - A dupla reedição "Triskaidekaphobie e Le Poison Qui Rend Fou (1989)" já havia sido postada no blog.

Barbaro (Ma Non Troppo)

C.O.D. Performance (1993)

High Infidelity (2000)

No.6 (1999)

A Great Inhumane Adventure (2005?)

Triskaidekaphobie (1981) & Le Poison Qui Rend Fou (1985) [1989]

Present + Univers Zero (2009)

Present no Rock In Opposition Festival 2009

Vídeos

Final de 2010 - apresentações e workshops de músicos vitais na improvisação:

2010-11-06T18:13:00.009-02:00

Pode-se dizer que os últimos meses ficarão marcados como a época em que a música improvisada finalmente começou a ter mais espaço no Brasil. Em pouco tempo passaram por aqui o EKE trio (Gerri Jaeger, Oscar Jan Hoogland, Yedo Gibson), Hans Koch, Ivo Perelman, Joe Morris, Luo Chao Yun, Mattew Shipp, Marcio Mattos, Mark Sanders, Pharoah Sanders, Phil Minton, Trevor Watts, Veryan Weston, entre outros... Mas as boas novas não param por aí. Para fechar o ano com chave de ouro temos quatro notícias que seguem:

1) 1º Festival Internacional Abaetetuba de Improvisação Livre Musical: nos dias 13 e 14 de Novembro, no espaço cênico Ademar Guerra serão realizadas 4 oficinas gratuitas, com 30 vagas cada uma, e 2 apresentações com formações instrumentais diversas. A retirada de ingressos ocorrerá uma hora antes de cada espetáculo e oficina.

Oficinas:

Sábado 13

12h com Ricardo Tejero

15h com Saadet Türköz

Domingo 14

12h com Raymond MacDonald

15h com John Edwards

Apresentações:

13 de novembro as 20:00 h

14 de novembro as 19:00 h

Para mais informações, favor consultar os sites: http://fiil2010.blogspot.com/ e http://www.centrocultural.sp.gov.br/festivalabaetetuba.asp

O termo "Abaetetuba" que dá nome ao Festival veio do grupo homônimo de improvisação livre que em tupi-guarani quer dizer "encontro de gente boa". Fundado em 2004 a partir da iniciativa dos músicos brasileiros Antonio Panda Gianfratti e Yedo Gibson, o grupo trabalha com a improvisação livre sem pré-estabelecimentos anteriores à música. Com o tempo os músicos Marcio Mattos, Michelle Agnes e Thomas Rohrer foram agregados ao grupo, e juntos se apresentaram com importantes músicos da improvisação livre internacional em oportunidades no Brasil e na Europa.

Segue o myspace do grupo: http://www.myspace.com/abaetetuba

2) Nos dias 27 e 28 de Novembro, o mestre Ornette Coleman (considerado um dos pioneiros e mais importantes nomes do Free Jazz) fará duas apresentações com seu quarteto (Charlie Haden no baixo, Denardo Coleman na bateria e Dewey Redman no sax tenor). Há décadas na estrada, as apresentações (com ingresso praticamente esgotados) são oportunidade única; conhecer a história e obra de Ornette Coleman é imprescindível àqueles que realmente queiram compreender, apreciar ou (re)criar a música contemporânea.

Segue o local e os horários das apresentações:

SESC Pinheiros

27/11 - 21h30

28/11 - 18h30

Obs.: as apresentações farão parte da "Mostra Sesc de Artes 2010", que também constará com outras apresentações de peso. Aos interessados, favor consultar o site do SESC para mais informações.

3) No último post do Sonora, o Henrique Tonin postou mais um exemplo da música vital que Vandermark e companhia nos oferecem. Um dos saxofonistas mais versáteis e prolíficos da atualidade, Vandermark transita nos arredores do Jazz, do Free Jazz e da Improvisação Livre com grande domínio e personalidade. Além dos contextos mais diversos em que se insere, há de se notar o amplo domínio de palhetas que alterna tocando diversos tipos de clarinete e saxofone. Além do Vandermark, que se apresenta no Brasil pela primeira vez, teremos uma nova oportunidade de acompanhar Luc Ex (baixo) e Mark Sanders (bateria) em ação.

A apresentação em São Paulo será no dia 10/12, sexta-feira, às 19hrs, na sala Adoniran Barbosa. A entrada é franca.

Em Porto Alegre a apresentação ocorrerá no dia 12/12/2010, às 20:00 hrs. Nos sites que encontrei não consta o lugar que ocorrerá a apresentação; se alguém souber e puder comentar, agradeço.

4) Por último, para fechar o ano com chave de ouro, Han Bennink (bateria) e Phil Minton (voz), dois dos veteranos mais exóticos e importantes improvisadores voltam ao Brasil para uma única apresentação.

São Paulo - Sala Adoniran Barbosa - 11/12/10, 19:00 - Entrada Franca

Em resumo: oportunidades imperdíveis aos interessados em free jazz, improvisação livre e música contemporânea de modo geral. Quem conhece o trabalho dos músicos envolvidos sabe do que falo e não vai perder por nada; àqueles que não conhecem, fica a dica e oportunidade única.

Ken Vandermark's Resonance Ensemble

2010-10-21T17:24:00.012-02:00

Aproveitando a provável vinda de Ken Vandermark ao Brasil em dezembro - sobre a qual vocês podem ler o post do Fabricio Vieira no FREE FORM, FREE JAZZ - resolvi falar um pouco de um dos últimos projetos desse músico de quem vale a pena ouvir absolutamente tudo.

O Ressonance se formou em 2007, trilhando um caminho pela improvisação, a colagem musical - tão conhecida dos apreciadores do Vandermark 5 - e a composição para grandes grupos, iniciadas no Chicago Tentet de Peter Brötzmann e na Territory Band.

Desde 2009, Vandermark tem adotado uma nova abordagem, que para mim é quase uma marca da sua personalidade e genialidade como músico: as composições baseiam-se em "modular pieces", isto é, em módulos que podem ser "remontados" ou reagrupados a cada apresentação, abrindo espaços para a improvisação e conferindo um papel vital à espontaneidade de cada músico do grupo.

Como nos outros projetos de Vandermark, o resultado é uma música de uma vitalidade extraordinária, em que se leva à potência máxima o que é tão característicamente seu: uma essência Free aberta a todos os sopros da boa música, seja ela o jazz de raíz afro/americana, a improvisação livre européia ou o noise japonês.

É impossível apreciar isso à distância - sem sofrer uma espécie de arrebatamento, uma adesão total, quase física. Por mais de uma hora o grupo nos conduz por uma viagem onde há momentos de tensão, introspecção, êxtases furiosos, lirismo e beleza.

- E mais uma vez eu preciso dizer como é impressionante a sua capacidade de reunir músicos tão diversos e chegar a algo ao mesmo tempo tão "uno" e amplo.

Resonance Ensemble - Live in Zaporozhie | DVD

Ano: 2009

Tempo: 75 minutos

Tamanho: 1.2 GB (unir as partes com HJ-Split ou similar)

Músicos:

Ken Vandermark - reeds

Dave Rempis - saxes

Steve Swell - trombone

Tim Daisy - drums

Michael Zerang - percussion

Mark Tokar - bass

Waclaw Zimpel - reeds

Mikolaj Trzaska - reeds

Per-Ake Holmlander - tuba

Magnus Broo - trumpet

___________________________________________________

Resonance Ensemble - Live in Cormòns 2009 | CD

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Ken Vandermark - tenor saxophone, clarinet

WacBaw Zimpel - clarinet, bass clarinet

Mikolaj Trzaska- alto saxophone, bass clarinet

Mark Tokar - bass

Steve Swell - trombone

Dave Rempis - tenor & alto saxophones

Per-Âke Holmlander - tuba

Tim Daisy - drums

Magnus Broo - trumpet

Michael Zerang - drums, percussion

1. Modular And Abstract #1 (15:22)
2. Modular And Abstract #2 (18:05)
3. Modular And Abstract #3 (16:46)
4. Encore (04:26)

Total Time 54:40

Altered States - Mosaic (1995)

2010-10-12T13:28:00.005-03:00

Como prometi, a banda do guitarrista Uchihashi Kazuhisa:

Altered States:
Kazuhisa Uchihashi: guitar, effects
Mitsuru Nasuno: bass
Yasuhiro Yoshigaki: drums, percussion

Guests:
Kazutoki Umezu (10, 11): alto sax, clarinet
Shizuru Ohtaka: voice (11)
Yuji Katsui (5, 11): electric violin, ponchi
Hiromichi Sakamoto: cello (1)
Yuki Saga: voice (11)
Kumiko Takara (11): vibraphone, percussion
Ned Rothenberg: alto sax (4)
Ichiko Hashimoto (11): piano, voice
Junji Hirose: tenor sax (8, 11)
Koichi Makigami: voice (6, 11)
Yoshinori Motoki: tapes (9, 11)

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Joe Morris Quartet - A Cloud of Blacks Birds (1998)

2010-10-04T22:05:00.008-03:00

Joe Morris Quartet: Joe Morris (guitar); Mat Maneri (violin); Chris Lightcap (bass); Jerome Deupree (drums).

http://freeformfreejazz.blogspot.com/search/label/joe%20morris

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Walter Smetak - Interregno (Conjunto Microtons) (1980) (Renovação de Link)

2010-10-04T14:08:00.003-03:00

Re-upload do disco postado em 2008 pelo usuário wojtyla cujo link foi deletado.

Olá!! Agora o segundo disco, datado de 1985. "Interregno", executado com o conjunto microtons.

Boa audição a todos!! Ideal para ouvir numa noite de chuva, sozinho, luzes apagadas e deitado, permitindo que o som lhe carregue as mais possíveis dimensões.

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Tatsuya Yoshida & Uchihashi Kazuhisa - Improvisations (2005)

2010-09-30T18:05:00.005-03:00

Este disco do duo Tatsuya Yoshida (Ruins) & Uchihashi Kazuhisa (Ground Zero) mudou minha concepção sobre improviso, de uma maneira que acho até difícil imaginar essas faixas como frutos da espontaneidade. Nunca ouvi músicos tão conectados e criativos improvisando dessa forma. Tenho alguns discos do Ground Zero, mas não sabia que o Uchihashi é esse monstro na guitarra. Sobre o Tatsuya, muitos do blog já conhecem o seu trabalho e sabem que o cara é incrível, principalmente na bateria, e se não conhece:

DOWNLOAD

Disc 1

A (2:07)
B (9:56)
C (7:39)
D (10:09)
E (10:20)
F (5:48)
G (1:59)
H (4:58)
I (3:10)
J (4:09)
K (7:37)
L (3:58)

Disc 2

M (3:24)
N (6:47)
0 (10:35)
P (4:22)
Q (6:47)
R (4:06)
S (8:08)
T (8:27)
U (3:35)
V (4:43)
W (6:29)
X (4:27)
Y (2:00)

Kang Tae Hwan

2010-09-20T13:27:00.016-03:00

Kang Tae Hwan é saxofonista, improvisador livre sul coreano. Já tocou em parceria com músicos do calibre de Evan Parker, Ned Rothenberg, Otomo Yoshihide e Toshinori Kondo.

Sua música trilha um caminho que há muito busco na minha música nascente e na música improvisada atual de modo geral: meditativa, aberta à respiração, ao silêncio, ao ruído dotado de espírito, à reflexão...

Em suas incursões solo muitas vezes há um desenvolvimento minimalista (longe do minimalismo das salas de concerto) em que, através da respiração circular, de ciclos e de multifônicos, Kang Tae Hwan nos convida a silenciar e penetrar num estado diverso de consciência.

Infelizmente ainda é um pouco difícil encontrar informações e materiais sobre ele e sua música na internet, mas seguem dois vídeos e o álbum clearness (

que encontrei no inconstant sol)

em parceria com Ichiraku Yoshimitsu (Acid Mothers Temple) e Uchihashi Kazuhisa (Ground Zero). S

inceramente não achei o álbum tão significativo em vista dos materiais que tinha aqui no ano passado, mas, na falta de encontrar outros por enquanto, fica esse como introdutório.

Kang Tae Hwan / Ichiraku Yoshimitsu

DOWNLOAD - Parte I

Kang Tae Hwan / Uchihashi Kazuhisa

DOWNLOAD - Parte II

Vídeo 1

Vídeo 2

Semana agitada na improvisação em São Paulo

2010-09-06T18:10:00.006-03:00

Mais uma vez o Fabricio Vieira matou a pau com postagens pontuais a respeito dos grandes músicos que se apresentarão em breve por aqui e com uma crítica a respeito do descaso dos meios midiáticos para com artistas desse calibre.

Leiam, ouçam, opinem: http://freeformfreejazz.blogspot.com/

Abaixo um post do Akirarw divulgando outra apresentação que promete. Coincidentemente o show cai no dia 10, dia esse em que o primeiro quarteto estará tocando em Bauru; ou seja, os sortudos que estiverem em Sampa poderão assistir três raros dias seguidos de improvisação livre.

"Improvisação Livre Musical com Luo Chao-Yun, Michelle Agnes, Thomas Rohrer e Panda Gianfratti no CCSP nesta sexta feira dia 10/09/2010"

http://sonorica.blogspot.com/2010/09/improvisacao-livre-musical-com-luo-chao.html

Àqueles que não conhecem o som da Michelle, do Thomas e do Panda (que pretendo apresentar melhor aqui em breve num post sobre a improvisação livre no Brasil), aqui vai uma reunião deles em torno do projeto Abaetetuba:

Três dias de improviso em Sampa e Bauru

2010-09-04T20:23:00.008-03:00

Os espaços que vez por outra abrigam música contemporânea no Estado de São Paulo tanto no campo da moderna música de concerto quanto na improvisação livre parecem finalmente se agitar um pouco. Confesso que estou devendo postagens nesse sentido por aqui e pretendo retomar nesse post a divulgação e comentários a respeito do que puder conferir.

Em Setembro agora teremos três shows que marcam a estréia mundial de um quarteto que promete ser uma das grandes apresentações de música livre que já passaram nessas terras. Segue um pouco sobre os músicos e a grande música que prometem:

Ivo Perelman é um velho conhecido dos amantes de free-jazz. Brasileiro radicado em Nova Iorque, Ivo tocou vários instrumentos antes de optar pelo sax tenor como instrumento principal. Seu sopro melódico e intenso remete aos grandes mestres do sax moderno; sempre incançável na busca de novas propostas, Perelman caminha com grande domínio no free-jazz, na improvisação livre e por vezes em composições mais próximas da música moderna de concerto. Há pouco tempo, quem conferiu a vinda de Peter Brötzmann com seu projeto Full Blast e posteriormente de Phil Minton, Veryan Weston, Mark Sanders e Luc Ex, sabe da riqueza da música de Ivo.

Joe Morris, mais conhecido por seu trabalho como guitarrista, nos presentes shows tocará baixo. Em sua pegada única podemos notar um flerte dos antigos mestres do free com mestres do sofisticado jazz de cunho tonal e modal. O resultado é simplesmente a guitarra livre mais coerente desde há muito; se Bailey, Pass e Sharrock foram extremamente importantes para a guitarra atual, Morris não fica atrás.

Matthew Shipp é outro importantíssimo músico atual. Pianista multifacetado, Shipp caminha mais ativamente na improvisação e seus arredores, tendo também trabalhado em parcerias pouco usuais com músicos que utilizam de eletrônicas e hip hop. Sua pegada algumas vezes é comparada a Cecil Taylor por sua faceta percussiva.

Confesso não conhecer bem o trabalho de Gerald Cleaver e, pesquisando, encontrei algumas participações esparsas. Numa primeira impressão, o baterista me pareceu seguir uma escola mais tradicionalista e americana, longe da bateria de cunho mais "abstrato" vista já há algum tempo na música improvisada da escola européia.

Enfim... preciso falar mais? Imperdível pra todo amante de música contemporânea. Seguem os dias e locais onde vão rolar as apresentações:

09/09 - SESC Pompeia

10/09 - SESC Bauru

11/09 - SESC Osasco